La luna pende pesante nel cielo notturno, proiettando un bagliore argentato sulla figura angosciata di Orfeo. La sua lira, un tempo fonte di bellezza, giace ora frantumata ai suoi piedi, riecheggiando il disaccordo del suo cuore spezzato. Intorno a lui, donne selvagge si abbandonano a un caos festoso, i loro movimenti frenetici in contrasto con la staticità di Orfeo, racchiudendo la follia nata dalla perdita. Guarda a sinistra il sorprendente contrasto tra luce e ombra.

Lévy utilizza magistralmente il chiaroscuro, illuminando il volto pallido di Orfeo mentre le figure circostanti rimangono avvolte nell'oscurità. Le linee fluide della loro danza attirano l'occhio verso l'eroe tragico, enfatizzando la sua isolamento. Colori ricchi e profondi si mescolano con la vivacità dei festaioli, creando un'atmosfera tumultuosa che sembra sia viva che soffocante. All'interno di questo spettacolo caotico si trova una profonda esplorazione della psiche.

Le donne selvagge, incarnazioni di passione e follia, riflettono la lotta della società con il desiderio e la disperazione, rispecchiando il tumulto interiore di Orfeo. Nota come i loro capelli e arti si intrecciano; simboleggia la sfumatura dei confini tra estasi e angoscia, invitando a una contemplazione su come la bellezza possa sgretolarsi nel caos. La tensione nelle loro espressioni evidenzia la sottile linea tra arte e follia, un commento toccante sul costo della creatività. Negli anni '70 dell'Ottocento, Lévy era immerso in un fiorente milieu artistico a Parigi, riflettendo il tumulto del panorama sociale e politico.

Questo periodo segnò un cambiamento verso temi più emotivi e dinamici nell'arte, mentre gli artisti esploravano le profondità dell'esperienza umana. L'opera di Lévy, inclusa La morte di Orfeo, emerse da questo ambiente, rivelando il suo impegno con temi contemporanei come la perdita, l'amore e la follia che spesso accompagna il fervore artistico.