Was zuerst ins Auge fällt an 001 von Adolphe Joseph Thomas Monticelli, ist die schiere Körperlichkeit der Farbe selbst: dick, wirbelnd, fast skulptural auf der Oberfläche, als ob die Figuren sich aus der Leinwand herauskämpfen würden. Die Szene ist ein Ausbruch von Farbe und Bewegung: zwei Frauen, deren Formen aus einem Aufruhr von Rot-, Ocker- und Blautönen hervortreten, scheinen in einem Moment lebhafter Unterhaltung oder vielleicht in einem flüchtigen Austausch in einem Garten gefangen zu sein. Die linke Figur, in einem voluminösen Kleid sitzend, gestikuliert nach oben, während ihre Begleiterin steht, die Hand ausgestreckt, als wolle sie einen Punkt betonen oder etwas Unsichtbares anbieten.

Licht fällt in Flecken und belebt das Laub und die Gesichter der Figuren, während der Hintergrund sich in einen lebhaften, atmosphärischen Dunst auflöst, der sich weigert, sich in bloße Szenerie zu verwandeln. Dieses Gemälde gehört unbestreitbar zum späten 19. Jahrhundert, einer Zeit, in der Künstler wie Monticelli die Grenzen dessen, was Farbe bewirken konnte, verschoben. Das Jahr 1883 platziert es auf dem Höhepunkt von Monticellis reifem Stil, als sein dicker Impasto und seine juwelenartige Palette ihn von seinen Zeitgenossen abhoben.

Werke dieser Art wurden oft von Sammlern gesucht, die nach Szenen der Muße, Romantik oder Fantasie verlangten – Themen, die sowohl dekorative Fülle als auch ein Gefühl der Flucht ermöglichten. Die Geschichte hat nur wenige Spuren der Reise dieses speziellen Gemäldes hinterlassen, aber seine Präsenz im großen Archiv der Meisterwerke des The Yorck Project spricht von der anhaltenden Faszination für Monticellis Bravourtechnik. Je länger man schaut, desto mehr wird die Oberfläche selbst zur Geschichte und lädt dazu ein, sich in die Welt von Farbe und Geste des Malers zu verlieren.