La première chose qui attire l'œil dans Montagnes de Arthur Bowen Davies est la façon dont le médium de l'aquarelle permet au paysage de respirer. Les montagnes s'élèvent, non pas comme des monuments rigides, mais comme des formes douces et vivantes, leurs contours adoucis par des lavis de vert et de violet. Le ciel, un dégradé lumineux allant du bleu profond au pâle, est parsemé de nuages qui semblent dériver et se dissoudre sous vos yeux.

Votre regard est attiré depuis le travail de pinceau lâche et presque abstrait du premier plan, à travers les pentes en couches, et enfin vers les sommets lointains, où la lumière et l'ombre jouent sur les faces rocheuses. Un petit groupe de bâtiments dans le coin inférieur droit suggère une présence humaine, écrasée par la grandeur et le calme du monde naturel. Des œuvres comme celle-ci appartiennent à une période où les artistes américains, inspirés à la fois par l'impressionnisme européen et par l'immensité de leurs propres paysages, se sont tournés vers l'aquarelle pour son immédiateté et sa fraîcheur. Davies était connu pour ses scènes oniriques, mais ici il laisse le paysage lui-même rêver.

Les aquarelles étaient souvent utilisées pour des études ou des croquis de voyage, prisées pour leur portabilité et leur rapidité, mais elles pouvaient aussi capturer une humeur fugace—un nuage passant, un changement de lumière—d'une manière que l'huile ne pouvait pas. La collection du Metropolitan Museum of Art, qui détient cette œuvre, préserve non seulement une vue, mais un moment d'observation. Laissez vos yeux errer sur la surface de la peinture et voyez comment le monde est construit à partir de rien d'autre que de pigment, d'eau et d'air.