Als Pierre-Auguste Renoir 1888 Traubenleser beim Mittagessen malte, befand er sich inmitten einer entscheidenden Transformation; gerade aus Italien zurückgekehrt, überdachte er die Pinselstriche und Farben, die ihn berühmt gemacht hatten. Dieses Gemälde ist ein Zeugnis dieses Wendepunkts und fängt sowohl die Wärme des ländlichen Lebens als auch die Suche des Künstlers nach neuer Struktur in seinen Kompositionen ein. Im Gegensatz zu seinen früheren, spontanen impressionistischen Szenen suchte Renoir hier, sorgfältiges Zeichnen mit seiner Liebe zur leuchtenden Farbe in Einklang zu bringen.

Das Thema des Gemäldes, Traubenleser, die für ein Mittagsmahl pausieren, war ein Motiv, das viele französische Künstler des späten 19. Jahrhunderts faszinierte, doch Renoirs Version ist besonders bemerkenswert für ihre Intimität und das Gefühl des gemeinsamen Ausruhens. Der Moment, den Renoir wählte, ist von stiller Kameradschaft geprägt: Eine Gruppe von Lesern, ihre Körbe und Werkzeuge beiseitegelegt, versammelt sich im gesprenkelten Schatten der Bäume. Sonnenlicht filtert durch die Blätter und fängt eine Flasche Wein und die Falten eines weißen Tuchs ein, das für das Mittagessen ausgebreitet ist.

Die Figuren lehnen sich zueinander, ihre Gesichter gerötet von der Arbeit und dem Gespräch, während die Hände nach Brot und Obst greifen. Renoirs Pinselstrich, enger als in seinen früheren Jahren, fängt immer noch das Schimmern des Lichts und die Weichheit der Haut ein, jedoch jetzt mit einem festeren Sinn für Kontur. Im Vergleich zu Jules Bastien-Lepages düsterem Heuen ist Renoirs Szene durchdrungen von Wärme und Geselligkeit, wobei die Freuden des ländlichen Lebens betont werden, anstatt dessen Schwierigkeiten. Die genaue frühe Geschichte von Traubenleser beim Mittagessen bleibt ungewiss, da Aufzeichnungen über seinen ersten Besitzer oder Ausstellungen rar sind.

Was klar ist, ist, dass Renoirs Ruf bis Ende der 1880er Jahre über die impressionistischen Kreise hinaus wuchs, und Werke wie dieses sprachen Sammler an, die sowohl seine technische Fertigkeit als auch seine Feier der alltäglichen Freuden bewunderten. Das Gemälde hat seitdem mehrere private Sammlungen durchlaufen und befindet sich jetzt in einem großen Museum, wo es oft als ein Schlüsselbeispiel von Renoirs sogenannter "Ingres-Periode" zitiert wird. Im weiteren Verlauf seiner Karriere markiert dieses Werk die Wendung des Künstlers hin zu einer klassischeren Komposition und einem erneuten Interesse an der menschlichen Figur — eine Entwicklung, die seine späteren Meisterwerke prägen würde.