Was zuerst ins Auge fällt in Pietà von Abraham Janssens, ist das Gewicht des Körpers Christi, der zusammengesunken und leblos ist, gehalten in einem fragilen Gleichgewicht zwischen Trauer und Ehrfurcht. Die Figuren drängen sich eng unter dem drohenden Kreuz, ihre Gesichter erleuchtet von einem Lichtstrahl, der durch die Dunkelheit schneidet und die Blässe von Christi Haut sowie die Qual, die in jedem Gesicht geschrieben steht, einfängt. Die nach oben gerichteten Augen der Jungfrau und ihre leicht geöffneten Lippen sprechen von einer Traurigkeit, die sowohl persönlich als auch kosmisch ist, während das lebendige Rot der Figur rechts den Blick des Betrachters anzieht und die Szene im Hier und Jetzt verankert.

Engel schweben darüber, ihre kleinen Gesichter schauen hinunter, als wollten sie Zeugen sein und trauern, ihre Präsenz ist sowohl Trost als auch Erinnerung an das heilige Drama des Gemäldes. Werke wie diese Pietà, die zwischen 1602 und 1632 entstanden, gehörten zu einer Welt, in der religiöse Malerei sowohl öffentliches Spektakel als auch private Meditation war. In den südlichen Niederlanden reagierten Künstler wie Janssens auf den Aufruf der katholischen Kirche nach Bildern, die das Herz bewegen und die Gläubigen unterrichten konnten, und füllten Altäre und Kapellen mit Szenen, die die Geheimnisse des Glaubens unmittelbar und greifbar machten. Die starken Kontraste von Licht und Schatten, die monumentalen Figuren und die Intensität der Emotionen sprechen alle von dem Einfluss der Barock-Bewegung, die damals durch Europa fegte.

Obwohl wenig über die Reise dieses spezifischen Gemäldes aufgezeichnet ist, lädt uns sein Überleben in einer flämischen Sammlung heute ein, über jede Geste und jeden Ausdruck nachzudenken und die Geschichte zu suchen, die es immer noch erzählt.