Was zuerst ins Auge fällt bei Porträt einer jungen Frau ist die ruhige Bestimmtheit des Blicks der Dargestellten—ein Blick, der weder einlädt noch abweist, sondern dich einfach trifft, beständig und ungeschmückt. Der Künstler, Armand Guillaumin, rahmt sie ein in ein Chaos aus gemusterten Polstern und Tapeten, deren florale Motive in sanften, impressionistischen Pinselstrichen zu wirbeln scheinen, die fast hinter ihr pulsieren. Vor diesem lebhaften Hintergrund wirken ihr dunkles Kleid und ihre aufrechte Haltung wie ein Anker, der die Aufmerksamkeit des Betrachters auf ihr Gesicht lenkt, wo die kühlen, purpurfarbenen Schatten um ihre Augen und ihren Mund auf Introspektion oder Ermüdung hindeuten.

Die Hände, sanft gefaltet, deuten auf einen Moment der Pause hin, als wäre sie zwischen Gedanken gefangen worden. Gemalt im Jahr 1886, gehört dieses Werk zu einer Zeit, als Künstler wie Guillaumin—ein Freund von Pissarro und Van Gogh—mit Farbe und Licht experimentierten, um nicht nur Erscheinungen, sondern auch Atmosphäre und Stimmung einzufangen. Porträts wie dieses waren selten große Aufträge; viel häufiger waren es intime Studien, gemalt für Freunde oder Familie, oder als Übungen in der neuen Sprache des Impressionismus. Im Paris des späten 19.

Jahrhunderts waren die Mittelschichten begierig darauf, sich in der Kunst widergespiegelt zu sehen, doch die Direktheit des Ausdrucks dieser jungen Frau wirkt fast modern in ihrer Ablehnung von Schmeichelei. Heute, im Van-Gogh-Museum untergebracht, steht das Gemälde als stilles Zeugnis für einen Moment, in dem die Grenzen zwischen Dargestellter, Künstler und Betrachter zu verschwimmen begannen—und uns einlädt, erneut hinzuschauen und vielleicht zu fragen, was sie dachte.