Was den Betrachter zuerst in Die Auferstehung des Lazarus von Alessandro Magnasco fesselt, ist nicht das Wunder selbst, sondern das wirbelnde Chaos menschlicher Emotionen, das darum herum ausbricht. Das Gemälde lenkt den Blick auf eine Figur in der Mitte, die die Arme weit ausbreitet in einer Geste, die die Luft zwischen Angst und Ehrfurcht zu spalten scheint. Licht strömt von oben herab und erleuchtet den blassen, fast gespenstischen Körper des Lazarus, während er aus dem Grab gezogen wird, während jede umgebende Figur sich in Schock, Unglauben oder verzweifelter Hoffnung windet.

Das Drama wird durch Magnascos fiebrige Pinselstriche verstärkt, die die Grenzen zwischen Fleisch, Stoff und Schatten verwischen und die Szene so erscheinen lassen, als wäre sie im Moment der Transformation eingefangen. Zwischen 1715 und 1740 geschaffen, gehört dieses Werk zu einer Welt, in der von religiöser Malerei erwartet wurde, mehr zu tun, als eine Geschichte zu erzählen – sie sollte die Sinne erschüttern und die Seele bewegen. Im frühen 18. Jahrhundert wurden Künstler wie Magnasco von Kirchen und privaten Mäzenen beauftragt, biblische Episoden mit neuer Intensität zum Leben zu erwecken.

Theatralische Gesten, kräftige Kontraste von Licht und Dunkelheit und eine überfüllte, fast hektische Komposition kennzeichnen dieses Gemälde als Produkt seiner Zeit, als Glaube und Spektakel oft Hand in Hand gingen. Jetzt Teil der Sammlung des Rijksmuseums, steht dieses Gemälde als Zeugnis einer Ära, in der die Grenze zwischen dem Wunderbaren und dem Alltäglichen so dünn schien wie ein Pinselstrich – eine Einladung, näher zu treten und den Tumult der Szene in die Gegenwart überströmen zu lassen.