Was zuerst ins Auge fällt in Vrouwen in een bos von Adolphe Joseph Thomas Monticelli, ist die schiere Dichte von Farbe und Textur, als ob der Wald und seine Besucher aus der Erinnerung beschworen werden, anstatt in Echtzeit beobachtet zu werden. Die Figuren, die sich in lockerer Unterhaltung oder in Gedanken verloren versammeln, scheinen in ihrer Umgebung zu verschwinden – Tupfer aus Ocker und Karmesin deuten auf Kleider hin, ein Lichtblick in Weiß lenkt die Aufmerksamkeit auf eine zentral sitzende Frau. Die aufgeladene Pinselarbeit des Malers schafft eine Oberfläche, die fast skulptural wirkt, jeder Pinselstrich fängt das Licht ein und lädt den Betrachter ein, nach Formen im Dickicht zu suchen.

Schatten drücken herein, aber hier und da signalisiert ein Ausbruch von Gelb oder Rot Leben und Bewegung und deutet auf Lachen oder geflüsterte Vertraulichkeiten unter den Bäumen hin. Zwischen 1870 und 1886 gemalt, gehört dieses Werk zu einer Welt im Wandel, in der die Grenzen zwischen Figur und Landschaft von Künstlern wie Monticelli neu imaginiert wurden. In dieser Zeit wurden französische Maler – insbesondere diejenigen, die im Nachklang des Romantizismus und am Vorabend des Impressionismus arbeiteten – von Freizeit-Szenen angezogen, die oft in Gärten oder bewaldeten Parks angesiedelt waren und ein neues Verlangen nach modernen, flüchtigen Vergnügungen widerspiegelten. Solche Gemälde waren selten große Aufträge; sie wurden für private Sammler geschaffen, die nach Einblicken in eine sowohl intime als auch üppige Welt dürsteten.

Während die Geschichte nur wenige Spuren dieser speziellen Leinwand über ihre Präsenz in der Sammlung des Rijksmuseums bewahrt hat, sind ihre Energie und Ambiguität ein Zeugnis für das rastlose Experimentieren ihrer Zeit. Schau noch einmal hin: Je länger du verweilst, desto mehr scheinen der Wald und seine Frauen zu wechseln und zu atmen.