Lo que primero llama la atención en Flores en un jarrón azul es la energía pura que se encuentra en la pintura misma: los pétalos y las hojas parecen estallar desde la superficie, sus formas construidas con pinceladas gruesas, casi esculpidas. El jarrón azul ancla el caos, sus tonos fríos sosteniendo una explosión salvaje de blancos, rojos y amarillos que amenazan con desbordarse más allá del lienzo. La pincelada de Monticelli es inquieta e impulsiva, transformando el tema ordinario de las flores cortadas en un espectáculo de color y movimiento.

Las sombras se acumulan detrás del ramo, profundizando el contraste y atrayendo la mirada del espectador hacia el corazón del arreglo, donde las flores similares a margaritas compiten por atención. La superficie de la mesa está representada con la misma bravura, sus reflejos cremosos resonando con la vitalidad de arriba. Pintada en 1875, esta obra se sitúa en la encrucijada de la tradición y el cambio en la pintura francesa. Los bodegones como este solían ser el dominio del orden sereno y el simbolismo sutil, pero para la época de Monticelli, los artistas estaban experimentando con el color y la textura de maneras que anticipaban el Impresionismo.

Tales pinturas a menudo se realizaban para coleccionistas privados, ansiosos por escenas de belleza que pudieran iluminar los interiores domésticos, sin embargo, el enfoque de Monticelli es todo menos decorativo. La pintura ahora pertenece al Clark Art Institute, un hogar adecuado para una pieza que une el viejo mundo del bodegón académico y las nuevas libertades del arte de finales del siglo XIX. Cuanto más miras, más parece que las flores palpitan con la urgencia de su propia breve vida pintada.