Nel 1913, tre anni dopo la morte della sua amata moglie Alice, Claude Monet dipinse Gli Archi di Rose a Giverny durante un periodo di tristezza personale e rinnovamento creativo. Questo fu lo stesso anno in cui Monet iniziò a soffrire di cataratte, una condizione che avrebbe alterato la sua percezione del colore e della luce. Nonostante la sua vista in declino, Monet tornò ossessivamente ai suoi giardini a Giverny, catturandoli in una serie di opere che sarebbero diventate alcune delle più celebrate.

Gli archi di rose, piantati e curati dallo stesso Monet, divennero un laboratorio vivente per i suoi esperimenti con la luce e il colore in cambiamento. Il dipinto si erge come uno degli ultimi grandi soggetti floreali prima che Monet si dedicasse quasi esclusivamente ai suoi monumentali quadri di ninfee. La scena immerge lo spettatore in un tumulto di rose in fiore, le cui tonalità pallide e cremisi si riversano su archi di legno che svaniscono in una foschia luminosa. La luce del sole filtra attraverso il denso fogliame, macchiando il sentiero e dissolvendo i confini tra fiori, foglie e aria.

Non c'è figura umana; invece, il giardino stesso diventa il protagonista, una testimonianza della convinzione di Monet che "il mio giardino è il mio capolavoro più bello". La composizione guida lo sguardo attraverso un tunnel di rose, invitandoci a camminare sotto gli archi e a perderci nel gioco mutevole di colore e ombra. A differenza delle scene di giardino più popolate di Pierre-Auguste Renoir, il focus di Monet è completamente sulla sensazione di essere avvolti dalla natura, con pennellate che dissolvono le forme in pura sensazione. Gli Archi di Rose a Giverny non è mai stato formalmente commissionato; è rimasto nello studio di Monet fino alla sua morte nel 1926, parte del vasto tesoro di dipinti di giardini che hanno definito la sua carriera tardiva.

Come molte delle sue opere di Giverny, la sua provenienza iniziale non è completamente documentata, anche se si crede sia stata acquisita da un collezionista privato prima di entrare in una collezione pubblica a metà del XX secolo. Oggi, il dipinto è riconosciuto come un collegamento vitale tra le esplorazioni impressioniste precedenti di Monet e le sue successive e più astratte Ninfee. Si erge come una testimonianza della duratura fascinazione dell'artista per gli effetti mutevoli della luce e della sua incessante ricerca della bellezza, anche quando la sua stessa visione iniziò a svanire.