最初に自画像で目を引くのは、アーティストが私たちの視線を受け入れないことです。代わりに、アルノルト・ベックリンは急に左を向き、彼の横顔は私的な思考やおそらく気を散らしている瞬間に捉えられています。このポーズはカジュアルですが、警戒心を持っており、片腕は椅子の背もたれにかけられ、もう一方は影に隠れています。光が彼の顔と手に当たり、深い黒と茶色の衣服や椅子から彼を浮かび上がらせ、背景の冷たい青緑色がフレームの外にある世界をほのめかしています。筆使いは緩やかで、端がほとんど煙のようにぼやけており、シーンに即時性と未完成の思考の感覚を与えています—絵を描いているのではなく、存在している行為の中で夢想に捕らえられたアーティストです。 1862年に描かれたこの自画像は、ヨーロッパ全体のアーティストたちが自己を捉える意味を再考していた時期に属しています。もはや単なる技術的な腕前や社会的地位の表示ではなく、自画像は内省と心理的深さのための空間となりました。19世紀中頃、ベックリンのようなアーティストたち—彼の作品は現在バasel美術館に所蔵されています—は、時には鮮明なディテールを犠牲にして、ムードや雰囲気を試行錯誤していました。この特定の絵画を取り巻く状況について、歴史はほとんど痕跡を残していませんが、その静かな反抗、自己説明を拒否する姿勢は、その持続的な魅力の一部です。見る時間が長くなるにつれて、座っている人物の沈黙はますます問いかけているようです：アーティストは私たちの視界の外で何を見ているのか？