Eine kobaltblaue Vase steht im Mittelpunkt des Bildes, ihre kühne Silhouette verankert ein Farbenrausch, der fast vor Energie zu vibrieren scheint. Das Auge wird zuerst zu diesem Gefäß hingezogen, doch schnell behauptet sich die umgebende Welt: Orangen, rund und sonnenbeschienen, gruppieren sich an ihrer Basis, ihre Schalen leuchten gegen ein Tischdeckenmuster aus rot und grün. Der Hintergrund ist ein Feld aus reinem, flachem Rosa, so gesättigt, dass es fast vibriert, während ein tiefgrüner Streifen oben die Komposition an ihrem Platz hält.

Jedes Element ist mit einem sicheren, dunklen Strich umrandet, als wollte der Künstler, dass jede Form deutlich hervorsticht, doch alle sind durch die gemeinsame Intensität ihrer Farben miteinander verbunden. Um 1908 gemalt, gehört dieses Werk zu einem Moment, als Künstler wie Alexej von Jawlensky—inspiriert von den wilden Experimenten der Fauves in Frankreich—die Grenzen dessen, was Farbe bewirken kann, erweiterten. Stillleben wie dieses waren nicht nur Übungen in der Anordnung, sondern Erklärungen einer neuen künstlerischen Freiheit: die Welt im Atelier neu erschaffen, vertraute Objekte durch die Kraft der Vision verwandelt. Die Ursprünge des Gemäldes sind nur durch sein Erscheinen bei einer Auktion 2010 bei Christie’s in London dokumentiert, eine Erinnerung daran, dass die Geschichte nur wenige Spuren seiner frühen Reise hinterlassen hat.

Was bleibt, ist der Schock der Farben, das Gefühl, dass das Alltägliche elektrisiert werden kann—eine Einladung, erneut zu schauen und die Welt zu sehen, als wäre es das erste Mal.