Quando Pierre-Auguste Renoir dipinse Cavolfiore e melograni nel 1890, era già celebrato per le sue vivaci scene di vita parigina, ma qui rivolse la sua attenzione ai modesti prodotti della campagna francese. Quest'opera è una delle poche nature morte che Renoir produsse in un periodo in cui l'artrite iniziò a limitare i suoi movimenti, spingendolo a concentrarsi su soggetti a portata di mano. Il dipinto è talvolta citato nella corrispondenza tra Renoir e il suo mercante, Paul Durand-Ruel, come prova della continua fascinazione dell'artista per il colore e la texture, anche mentre il suo stile evolveva.

A differenza delle sue grandi composizioni figurative, questa tela invita gli spettatori in un mondo più tranquillo e intimo. La scelta di Renoir di abbinare il cavolfiore nodoso e pallido ai melograni dai toni gioiello è più di un semplice studio di contrasto. Il cavolfiore, reso con pennellate cremose e spesse, ancorano la composizione con la sua solidità, mentre i melograni—aperti per rivelare i loro semi—aggiungono una nota di sensualità e abbondanza. La luce cade dolcemente da sinistra, catturando la lucentezza della frutta e la ruvidità delle foglie della verdura, guidando lo sguardo in un dolce arco attraverso il tavolo.

A differenza del realismo preciso delle nature morte di Jean-Baptiste-Siméon Chardin, l'approccio di Renoir è più sciolto e tattile, enfatizzando il piacere della pittura stessa. Il dipinto cattura un momento fugace: la freschezza del raccolto, l'anticipazione di un pasto, la bellezza quotidiana che Renoir trovava nelle cose semplici. Il percorso di Cavolfiore e melograni come oggetto è meno drammatico di alcune delle opere più grandi di Renoir, ma riflette la popolarità duratura dell'artista tra i collezionisti. Sebbene i dettagli della sua provenienza iniziale siano scarsi, è noto che molte delle nature morte di Renoir di questo periodo furono acquisite da collezionisti privati a Parigi e Londra, spesso passando per le mani di Durand-Ruel.

Oggi, il dipinto fa parte di una collezione privata, raramente esposto ma frequentemente citato in cataloghi raisonnés come un esempio chiave della tecnica tardiva di natura morta di Renoir. Nel contesto della sua carriera, quest'opera si erge come un testimone della sua capacità di trovare ricchezza e varietà nei soggetti più semplici, anche quando le sue capacità fisiche diminuivano.