Quando Carità lasciò lo studio di Paolo Veronese nel 1558, era uno dei diversi dipinti sul tema creati per i patroni veneziani desiderosi di mostrare la propria ricchezza e pietà attraverso l'arte. Il soggetto della Carità era particolarmente apprezzato nella Venezia rinascimentale, dove gli atti di generosità pubblica erano strettamente legati all'identità civica e alla salvezza privata. Notevolmente, il trattamento di questo tema da parte di Veronese era così ammirato che, durante la sua vita, fu copiato e adattato da altri artisti a Venezia e oltre.

Questa versione particolare si distingue per la sua scala intima e il calore delle sue figure, suggerendo che potesse essere destinata a uno spazio devozionale privato piuttosto che a una grande chiesa. Al centro di Carità c'è il momento del dono disinteressato: una donna, radiosa e serena, allatta un neonato mentre altri due bambini si aggrappano a lei, cercando conforto e sostentamento. Il seno esposto della figura centrale e il suo abbraccio gentile sono un'abbreviazione visiva per la virtù della caritas—la carità cristiana—incarnata qui come amore materno. Veronese bagna il gruppo in una luce dorata, attirando lo sguardo sui volti alzati dei bambini e sull'espressione calma della madre.

I ricchi tessuti e i colori vivaci richiamano lo stile decorativo celebrato dell'artista, ma la composizione è più contenuta rispetto alle interpretazioni teatrali del suo contemporaneo, Tintoretto, le cui proprie opere di Carità sono spesso più drammatiche e affollate. Qui, Veronese sceglie l'intimità piuttosto che lo spettacolo, concentrandosi sull'eroismo silenzioso della compassione quotidiana. La provenienza esatta di questa Carità rimane incerta, poiché la documentazione dell'epoca è scarsa e la storia precoce del dipinto non è chiaramente registrata. È tipica del Veronese di metà carriera, quando era molto richiesto tra i patrizi veneziani e le istituzioni religiose.

Nel corso dei secoli, il dipinto è passato attraverso diverse collezioni private, a volte erroneamente attribuito ad altri maestri veneziani a causa del suo soggetto e stile popolari. Oggi è riconosciuto come un ottimo esempio della capacità di Veronese di mescolare grandezza e tenerezza, e occupa un posto d'onore nelle collezioni museali come testimonianza sia della reputazione dell'artista che dell'appeal duraturo della virtù che rappresenta.