Quando Cristo e l'Adultera lasciò lo studio di Paolo Veronese nel 1585, si unì a una lunga tradizione veneziana di grandi scene bibliche destinate alla contemplazione pubblica, ma quest'opera si distingue per la sua teatralità e il colore caratteristico del pittore. Il soggetto—l'incontro di Cristo con la donna accusata di adulterio—era un favorito nella Venezia della Controriforma, dove i temi di misericordia e giudizio erano ampiamente dibattuti. Sebbene il patrono esatto rimanga sconosciuto, le dimensioni e l'ambizione del dipinto suggeriscono che fosse destinato a un contesto religioso prominente, forse una chiesa o una sala di confraternita.

A differenza di molti dei commissioni di Veronese, la provenienza iniziale di quest'opera è un mistero, il che aggiunge al suo fascino tra gli studiosi. La scena cattura il momento carico in cui Cristo, confrontato dagli accusatori e dalla donna tremante, si china per scrivere nella polvere—il suo gesto è un rimprovero silenzioso all'ipocrisia. Veronese colloca Cristo al centro, immerso in un raggio di luce che lo distingue dalla folla, il suo comportamento calmo contrasta con i gesti agitati dei farisei. L'adultera, avvolta in tessuti luminosi, si inginocchia in supplica, la sua vulnerabilità accentuata dall'ambiente opulento e dagli sguardi attenti che la circondano.

L'amore del pittore per i tessuti sontuosi e gli sfondi architettonici è in piena mostra, riecheggiando il suo approccio in Il banchetto in casa di Levi, ma qui il dramma è intimo, il dilemma morale immediato. Mentre Rembrandt in seguito userebbe l'ombra per evocare tensione psicologica nel suo stesso trattamento di questa storia, Veronese si affida alla chiarezza, al colore e al gesto. Come per molte delle opere tardive di Veronese, il percorso preciso di Cristo e l'Adultera attraverso i secoli non è completamente documentato. Il dipinto è generalmente datato all'ultima decade della sua vita, un periodo in cui era al culmine della sua fama a Venezia e spesso assistito dal suo laboratorio.

Nel corso del tempo, il dipinto è stato attribuito sia a Veronese stesso che al suo studio, un dibattito alimentato dalla presenza di più versioni e copie in collezioni europee. Oggi, l'opera è riconosciuta come una testimonianza della duratura fascinazione dell'artista per la misericordia biblica e la narrazione teatrale, e rimane un punto di riferimento per comprendere il tardo Rinascimento veneziano.