Quando Paolo Veronese completò La tentazione di Sant'Antonio nel 1552, aveva appena vent'anni, ma attirava già l'attenzione per il suo audace uso del colore e la sua immaginazione teatrale. Questo dipinto si distingue come uno dei primi trattamenti veneziani delle leggendarie tormenti di Sant'Antonio, un soggetto più comunemente affrontato da artisti del nord come Hieronymus Bosch. Le origini della commissione rimangono incerte, ma la fama precoce dell'opera è attestata dalla sua inclusione negli inventari di importanti collezionisti veneziani poco dopo la sua creazione.

Anche ai suoi tempi, la visione di Veronese sulla prova di Sant'Antonio era nota per il suo dramma e spettacolo. In questa scena, Sant'Antonio Abate è confrontato da una moltitudine di demoni e tentazioni mentre si inginocchia in preghiera, saldo in mezzo al caos. Veronese sceglie il momento in cui il santo, isolato in un deserto roccioso, è assediato da creature grottesche—ibridi di forma animale e umana—che tentano di attirarlo o spaventarlo dalla sua fede. La palette luminosa e la composizione vorticosa attirano l'occhio dello spettatore dal volto calmo e illuminato del santo alle figure contorte che lo circondano, ognuna simboleggiando un vizio o una minaccia specifica.

La catena tenuta da un demone allude alla schiavitù al peccato, mentre la mano tesa di un altro offre oro, una tentazione di avarizia. A differenza delle interpretazioni da incubo e affollate di Bosch, la versione di Veronese enfatizza la dignità e la determinazione del santo, ponendolo in un raggio di luce. La storia precoce del dipinto non è completamente documentata, ma è tipica delle commissioni private veneziane della metà del XVI secolo, probabilmente destinata a una cappella domestica o allo studiolo di un collezionista. Nel corso dei secoli, La tentazione di Sant'Antonio è passata attraverso diverse collezioni, e la sua attribuzione a Veronese è stata occasionalmente messa in discussione a causa della mancanza di una firma e del soggetto insolito per l'artista.

Oggi, gli studiosi concordano sulla sua paternità basandosi su prove stilistiche—particolarmente il colore vibrante e l'arrangiamento teatrale che sarebbero diventati tratti distintivi dell'opera successiva di Veronese. Il dipinto rimane una testimonianza dell'ambizione del giovane artista e della sua capacità di trasformare una storia religiosa familiare in uno spettacolo di colore e dramma.