다른 어떤 렘브란트 반 레인의 그림도 창턱에 기대고 있는 렘브란트만큼 그 주제로 많은 논란을 일으킨 적이 없습니다. 수세기 동안 관객들은 궁금해했습니다: 이것은 자화상인가, 아니면 인물 연구인가? 이러한 불확실성은 예술가가 자신의 반사에 대해 평생 동안 매료된 것에 의해 더욱 강조됩니다. 그는 자신을 80회 이상 그리거나 조각했습니다.

그의 젊은 시절의 웅장한 위탁 작품들과는 달리, 이 작품은 사적이고 거의 비밀스러운 느낌을 주며, 마치 렘브란트가 생각에 잠긴 순간을 포착하고 나머지는 우리의 상상에 맡긴 것처럼 보입니다. 장면은 간단합니다: 한 남자—종종 렘브란트 자신으로 식별됨—이 난간에 팔을 얹고 피로와 경계가 섞인 표정으로 바깥을 바라보고 있습니다. 빛은 왼쪽에서 비추어 그의 의복의 주름과 상처투성이의 얼굴을 조각해내고, 그의 뒤의 어둠은 숨겨진 세계를 암시합니다.

그의 크고 거친 손은 창턱을 단단히 잡고 있으며, 마치 현재에 그를 고정시키는 듯합니다. 안토니 반 다이크의 극적인 자화상들과는 달리, 우아함과 지위를 과시하는 것이 아니라, 이 인물은 솔직한 멈춤의 순간에 갇힌 것처럼 보이며, 창은 장벽이자 초대입니다. 그의 표정의 모호함—일부는 도전, 일부는 체념—은 그가 어떤 짐이나 통찰을 지니고 있는지 궁금하게 만듭니다.

창턱에 기대고 있는 렘브란트의 초기 역사에 대해서는 알려진 바가 거의 없습니다. 후원자의 이름은 남아 있지 않으며, 매체 자체도 학자들 사이에서 논란이 되고 있습니다: 패널에 유화인지, 아니면 단색 연구인지? 확실한 것은 19세기 후반까지 이 그림이 개인 유럽 컬렉션에 들어갔고, 20세기까지 대부분 보이지 않았다는 것입니다. 렘브란트의 후기 작품에 대한 새로운 관심이 그것을 대중의 시선에 다시 올렸습니다.

오늘날 이 작품은 1650년대 예술가의 내성적 전환의 드문 예로 평가받고 있습니다. 그 시기에 개인적인 어려움과 재정적 파산이 압박을 가하고, 그의 예술은 점점 더 탐구적이 되었습니다.