Als Paolo Veronese 1557 David mit dem Kopf von Goliath malte, begann er gerade erst, sich in Venedig einen Namen zu machen, doch bereits zogen seine kräftigen Farben und theatralischen Kompositionen Aufmerksamkeit auf sich. Dieses spezielle Thema war unter den Künstlern der Renaissance beliebt, aber Veroneses Version ist besonders bemerkenswert wegen ihrer Seltenheit: Nur eine Handvoll seiner Werke behandelt Helden des Alten Testaments, und dieses Gemälde hebt sich durch seine psychologische Intensität hervor. Die Provenienz des Gemäldes ist nicht vollständig dokumentiert, aber es ist bekannt, dass Werke wie dieses oft von wohlhabenden venezianischen Mäzenen in Auftrag gegeben wurden, die dramatische biblische Szenen für ihre privaten Paläste suchten. Der Moment, den Veronese wählt, ist einer des Triumphes und der unbehaglichen Reflexion: David, der junge Hirte, steht über dem abgetrennten Kopf des Riesen Goliath, frisch siegreich, nachdem er seinen Feind mit einem einzigen Stein zu Fall gebracht hat.

Davids Blick jedoch ist nicht jubelnd; stattdessen schaut er weg, sein Gesichtsausdruck nachdenklich, fast besorgt über die Gewalt seiner Tat. Der Einsatz von reichen, gesättigten Stoffen durch den Künstler — Davids Umhang ist ein Wirbel aus tiefem Karmin und Gold — kontrastiert mit der Blässe von Goliaths leblosen Gesicht, was die Kluft zwischen Jugend und roher Gewalt betont. Das Schwert in Davids Hand, überdimensioniert und glänzend, ist sowohl eine wörtliche Waffe als auch ein Symbol göttlicher Gerechtigkeit.

Im Vergleich zu Caravaggios späterer, dunklerer Interpretation desselben Themas ist Veroneses Version heller und zurückhaltender, wobei der Fokus auf den psychologischen Nachwirkungen und nicht auf dem blutigen Akt selbst liegt. Die genaue Reise von David mit dem Kopf von Goliath nach dem Verlassen von Veroneses Atelier ist unklar, ein häufiges Schicksal für venezianische Gemälde des mittleren 16. Jahrhunderts. Während das Medium des Gemäldes nicht eindeutig dokumentiert ist, sind Maßstab und Technik mit Veroneses frühen Werken für private Sammler konsistent.

Heute wird das Gemälde als ein wichtiges Beispiel für Veroneses Erforschung biblischer Dramatik vor seinen großen Aufträgen für den Dogenpalast und San Sebastiano anerkannt. Ihr Überleben und ihre fortwährende Ausstellung bieten einen Einblick in den sich entwickelnden Stil des Künstlers und die Vorlieben der Renaissance-Venedig, wo Kunst sowohl als moralische Lehre als auch als Ausdruck persönlichen Prestiges diente.