Was hier zuerst ins Auge fällt, ist nicht der Sturm selbst, sondern die Figur, die am Rand steht: eine junge Frau, deren Haar und Kleid vom Wind zerzaust werden, die auf ein Schiff blickt, das in der Wut der Wellen gefangen ist. Das Drama liegt ganz in ihrer Haltung: ihre Hände an die Brust gepresst, ihre Stellung fest auf dem felsigen Ufer verankert, ihr Blick starr und hilflos. Das Schiff, geschlagen und schief, wird fast von dem Sprühnebel und dem Chaos verschlungen, aber es ist Mirandas Stille, die die Szene verankert.

Waterhouse lenkt die Aufmerksamkeit des Betrachters von den verstreuten Steinen und dem Treibholz im Vordergrund bis zur brechenden Brandung, dann hinaus zu dem verurteilten Schiff, bevor er uns zu dem einsamen Zeugen am Ufer zurückführt. Die Farbpalette ist ganz Sturm und Salz: Schieferblau, Algengrün und der blasse Blitz des Schaum, der eine Stimmung von Ehrfurcht und angespannter Erwartung schafft. Gemalt im Jahr 1916, gehört Miranda – Der Sturm zu einer Tradition der britischen Kunst des späten 19. und frühen 20.

Jahrhunderts, die neues Leben in Shakespeares Heldinnen und Momenten hoher Emotion fand. Künstler wie John William Waterhouse wurden von solchen literarischen Themen angezogen und verbanden die prerafaelistische Aufmerksamkeit für die Natur und Erzählung mit einer lockereren, atmosphärischeren Malweise. Diese Werke wurden oft von Bewunderern der Poesie und des Dramas in Auftrag gegeben oder gesammelt, die begierig darauf waren, geliebte Szenen zum Leben zu erwecken.

Obwohl wenig über die Reise dieses speziellen Gemäldes aufgezeichnet ist, lädt uns seine Präsenz in einer modernen Sammlung ein, mit Miranda zu stehen – gefangen zwischen Land und Meer, Gewissheit und Katastrophe – und den Moment erneut zu betrachten, in dem Geschichte und Bild aufeinandertreffen.