Ein Schweigen breitet sich über die Szene aus, als ob die Musik selbst die Landschaft zum Stillstand gebracht hätte. Der Blick wird zuerst von der blassen Figur links angezogen, deren Augen den des Betrachters mit ruhiger Intensität begegnen, die Violine bereit, aber noch nicht gespielt. Die Figuren gruppieren sich um ein Klavier, ihre Gesten sind sanft und konzentriert: Die Finger eines Kindes schweben über den Tasten, während ein anderes daneben steht, das Instrument in der Hand, und ein drittes abseits sitzt, den Kopf gesenkt, verloren in ihrer eigenen Welt.

Der Pinselstrich ist locker, fast traumhaft, und verbindet die Figuren mit den tiefen Grüntönen und Blautönen der Landschaft, sodass Musik und Natur zu verschmelzen scheinen. In der Ferne grasen Schafe friedlich und verstärken das Gefühl von Ruhe und ländlichem Ritual. Geschaffen in den frühen 1890er Jahren, gehört Musik auf den Feldern von Arthur Bowen Davies zu einem Moment, in dem amerikanische Künstler nach neuen Wegen suchten, die Poesie des Alltagslebens auszudrücken. Die Stimmung des Gemäldes ist unverkennbar seiner Zeit zuzuordnen: weder ein strenges Porträt noch eine wörtliche Szene, sondern eine Vision, die von den symbolistischen und tonalistischen Bewegungen geprägt ist, die die Salons der Ära heimsuchten.

Solche Werke waren selten große Aufträge; viel häufiger waren sie intime Erkundungen, gedacht für private Kontemplation oder kleine Ausstellungen, und heute befindet sich dieses Stück in der Barnes Foundation. Wenig ist über die spezifische Geschichte dieser Leinwand aufgezeichnet, aber ihr stilles Geheimnis ist typisch für Davies' frühe Karriere und lädt den Betrachter ein, zu verweilen, zuzuhören und sich zu fragen, welche Musik vielleicht durch die Dämmerung weht.