Ein Chor ungebändigten Energies bricht aus den Schatten in Die Chöre, wo Alessandro Magnasco eine einfache Probe in ein Spektakel aus Bewegung und Klang verwandelt. Das Auge wird sofort auf das übergroße Chorbuch gezogen, dessen Seiten wie Flügel aufgeschlagen sind, im Zentrum eines Sturms aus Gesten und Blicken. Jede Figur lehnt sich, dreht sich oder gestikuliert wild – ein Chorsänger hebt einen Taktstock gen Himmel, ein anderer streckt seinen Hals mit komischer Intensität, während ein dritter in seinem Stuhl zusammensinkt, verloren in der Musik oder vielleicht in seinen eigenen Gedanken.

Die Farbpalette ist unruhig, mit schnellen Pinselstrichen und erdigen Tönen, die der Szene ein Gefühl von Improvisation und Chaos verleihen. Licht strömt von links herein, hebt Gesichter und Hände hervor, löst sich aber schnell in Schatten auf, als ob die Musik selbst das Tageslicht vertreiben würde. Werke wie dieses, das um 1740 gemalt wurde, gehören zu einer Welt, in der die Grenzen zwischen heiligem Ritual und Alltagsleben durchlässig wurden. Im Italien des 18.

Jahrhunderts wurden Szenen mit Musikern und Chorsängern oft von privaten Mäzenen mit einem Geschmack für das Theatrale und Satirische in Auftrag gegeben, anstatt von der Kirche selbst. Magnasco, bekannt für seine nervösen Pinselstriche und exzentrischen Kompositionen, erfreute sich daran, die Eigenheiten menschlichen Verhaltens zu enthüllen – seine Chorsänger sind keine idealisierten Engel, sondern echte Männer in all ihrer abgelenkten, lebhaften und gelegentlich lächerlichen Pracht. Das Gemälde befindet sich jetzt in der National Gallery of Art, ein lebendiger Fragment einer Zeit, in der Musik, Architektur und Persönlichkeit in den hallenden Räumen italienischer Barockinterieurs aufeinanderprallten.

Jeder Blick, jede erhobene Hand in dem Gemälde lädt den Betrachter ein, sich den Klang vorzustellen, der diesen Raum erfüllt.