Als Anthony van Dyck um 1620 Maria Magdalena in der Buße malte, war er erst einundzwanzig Jahre alt und machte sich bereits einen Namen in der wettbewerbsintensiven Kunstszene von Antwerpen. Bemerkenswerterweise ist dieses Gemälde eine von mehreren Versionen, die Van Dyck von der bußfertigen Magdalena schuf, ein Thema, das ihn während seiner gesamten Karriere faszinierte. Die Wiederholung deutet nicht nur auf die Beliebtheit des Themas unter katholischen Mäzenen in den Südlichen Niederlanden hin, sondern auch auf Van Dycks sich entwickelnden Ansatz zur weiblichen Emotion und religiösen Dramatik.

Kunsthistoriker haben lange darüber debattiert, ob diese spezielle Version für einen privaten Sammler oder als Andachtsbild für eine Kapelle gemalt wurde. Im Herzen des Gemäldes wird Maria Magdalena in einem Moment privaten Kummers und Verlangens eingefangen, ihre Augen zum Himmel erhoben und ihre Hände an ihre Brust gepresst. Laut den Evangelien war Magdalena eine Anhängerin Christi, die nach einem Leben in Sünde Buße tat und zu einem Symbol der Erlösung wurde. Van Dyck wählt den Augenblick, in dem sie sich von irdischem Reichtum abwendet—ihren abgelegten Schmuck und das Salbgefäß an ihrer Seite—um Vergebung zu suchen.

Das sanfte, goldene Licht streichelt ihr Gesicht und ihre nackte Schulter und intensiviert das Gefühl von Verletzlichkeit und Hoffnung. Im Gegensatz zu Caravaggios dunklerer, erdiger Magdalena ist Van Dycks Figur leuchtend und fast zerbrechlich, ihr Kummer wird als etwas Intimes und zutiefst Menschliches dargestellt. Die genaue frühe Geschichte dieses Gemäldes ist unklar, wie es oft bei Van Dycks Werken aus seiner Antwerper Zeit der Fall ist, die weit verbreitet gesammelt und manchmal kopiert wurden. Sicher ist, dass Maria Magdalena in der Buße als Zeugnis von Van Dycks aufkommendem Stil steht, der die emotionale Intensität seines Lehrers Rubens mit seiner eigenen zarten Handhabung von Fleisch und Drapierung verbindet.

Im Laufe der Jahrhunderte sind Versionen dieses Themas durch die Hände privater Sammler und religiöser Institutionen gegangen, manchmal falsch zugeordnet oder miteinander verwechselt. Heute wird dieses Gemälde als ein Schlüsselwerk aus Van Dycks Jugend anerkannt, das sowohl die spirituelle Inbrunst der Gegenreformation als auch das frühe Genie des Künstlers einfängt.