En 1488, les moines de San Marco à Florence ont commandé à Sandro Botticelli de créer un grand retable, cherchant à honorer la Vierge Marie avec une vision digne du chœur de leur église. Cette commande est arrivée à un moment charnière : Florence était en proie à un fervent religieux, et Botticelli lui-même était sous l'influence du prédicateur enflammé Savonarola. La Couronnement de la Vierge qui en résulte est l'une des rares grandes œuvres de retable de Botticelli, et son échelle et son ambition la distinguent de ses mythologies plus intimes.

Le cadre original de la peinture, conçu par le sculpteur Giuliano da Sangallo, a été perdu, mais les archives montrent qu'il était autrefois admiré comme une pièce maîtresse de la piété florentine et de l'innovation artistique. Au cœur de la peinture, la Vierge s'agenouille humblement devant le Christ, qui lui place doucement une couronne sur la tête, capturant le moment précis de sa couronnement céleste. Les rayons dorés qui rayonnent d'en haut signalent l'approbation divine, tandis qu'une multitude d'anges et de saints se rassemblent en adoration en bas. Les figures de Botticelli sont allongées et gracieuses, leurs gestes chorégraphiés dans une danse délicate de révérence.

Les rouges et bleus vibrants des robes, les guirlandes de fleurs intriquées et les bannières flottantes servent à élever la scène, soulignant la gloire de l'assomption de la Vierge. Contrairement à la précédente Couronnement de la Vierge de Fra Angelico, la version de Botticelli est plus théâtrale, avec un sens du mouvement accentué et une atmosphère festive et encombrée. Après son installation à San Marco, la Couronnement de la Vierge est restée en place pendant des siècles, survivant aux années turbulentes de bouleversements florentins et de pillages napoléoniques. L'attribution de la peinture n'a jamais été remise en question, grâce au style distinctif de Botticelli et aux archives détaillées de la commande.

Aujourd'hui, le retable est abrité dans la Galerie des Offices à Florence, où il se dresse comme un témoignage de la période religieuse tardive de Botticelli, une époque où son art est devenu de plus en plus spirituel et orné. L'œuvre marque une transition dans la carrière de Botticelli, s'éloignant des scènes mythologiques de ses mécènes Médicis et vers les sujets profondément dévotionnels qui définiraient ses dernières années.