Peu d'œuvres de Rembrandt van Rijn ont suscité autant de débats parmi les chercheurs que Lamentation du Christ (1650), notamment parce que son attribution et son médium ont été remis en question et réexaminés au fil des siècles. Certains experts ont soutenu que la manière dont la peinture traite la lumière et l'anatomie est si audacieuse qu'elle ne pourrait être que de Rembrandt à l'apogée de ses pouvoirs inventifs, tandis que d'autres ont évoqué la participation de l'atelier ou des retouches ultérieures. Ce qui est indiscutable, cependant, c'est l'intensité émotionnelle qui émane de cette scène, qui en a fait un point de référence pour les discussions sur les œuvres religieuses tardives de Rembrandt. Au cœur de la composition se trouve le moment après que le corps du Christ a été descendu de la croix, entouré de pleureurs qui le bercent et le soutiennent dans leur chagrin.

Marie, le visage ombragé et angoissé, tend la main pour toucher la main sans vie de son fils, tandis que Jean l'Évangéliste se penche protecteur sur le corps. La lumière, une signature de Rembrandt, tombe en un faisceau concentré sur le torse pâle du Christ, illuminant les blessures et attirant le regard sur la réalité physique de la mort. Contrairement à la Lamentation sur le Christ mort de Andrea Mantegna, qui présente une étude austère, presque anatomique, Rembrandt choisit l'intimité et l'ombre, enveloppant les figures dans un espace privé et douloureux.

Les gestes—mains jointes, têtes inclinées—témoignent à la fois de la perte collective et du désespoir individuel. La provenance précoce de Lamentation du Christ est incertaine, car aucune commande ou mécène original n'est enregistré, une situation courante pour de nombreuses œuvres religieuses de Rembrandt des années 1650. La peinture a traversé plusieurs collections privées, parfois attribuée à des élèves ou des suiveurs, avant d'être réaffirmée comme une œuvre autographe de Rembrandt au XXe siècle. Son état et son attribution ont été l'objet de campagnes de restauration et de débats académiques, reflétant les défis plus larges dans la catalogage de la production tardive de Rembrandt.

Aujourd'hui, la peinture se dresse comme un témoignage de l'engagement continu de l'artiste avec le drame biblique et des questions persistantes qui entourent sa technique et son autorité dans ses dernières années.