En 1659, plongé dans une profonde tourmente personnelle et financière, Rembrandt van Rijn a peint Portrait d'un homme en tant qu'apôtre Paul, une œuvre qui a intrigué les spectateurs et les chercheurs pendant des siècles. L'identité du modèle reste incertaine : certains pensent qu'il s'agit d'un autoportrait, d'autres d'un modèle de studio, mais la décision de l'artiste de représenter son sujet comme Paul est délibérée et chargée de sens. Cette peinture se distingue parmi les œuvres tardives de Rembrandt par son intimité brute et son poids psychologique, des qualités qui ont alimenté le débat sur la question de savoir si l'artiste réfléchissait à ses propres difficultés à travers l'histoire de l'apôtre.

Contrairement à de nombreuses scènes bibliques de Rembrandt, il ne s'agit pas d'une grande narration, mais d'une rencontre silencieuse et introspective. La figure est placée près du plan de l'image, son visage marqué par le temps à moitié éclairé, son regard direct mais tourné vers l'intérieur, une main reposant sur un gros livre : les Écritures. L'épée à ses côtés, à peine visible, l'identifie comme Paul, l'apôtre qui a un jour persécuté les chrétiens avant sa conversion dramatique sur le chemin de Damas. Rembrandt choisit de ne pas représenter le moment de la conversion, mais un Paul plus tardif et contemplatif, peut-être en train d'écrire ses lettres ou de méditer sur sa mission.

La palette atténuée et le coup de pinceau rugueux de la peinture attirent le spectateur dans la solitude et la gravité de l'apôtre. Comparé au Saint Paul plus théâtral de El Greco, l'approche de Rembrandt est dépouillée d'ornements, se concentrant plutôt sur l'humanité et la vulnérabilité de son sujet. La commande exacte pour Portrait d'un homme en tant qu'apôtre Paul n'est pas enregistrée, et sa provenance précoce est incertaine, un sort commun aux œuvres tardives de Rembrandt, dont beaucoup ont été dispersées après sa faillite. Aujourd'hui, la peinture est conservée au Rijksmuseum d'Amsterdam, où elle est reconnue comme un exemple clé du portrait tardif de Rembrandt, marqué par l'introspection et un approfondissement du réalisme psychologique.

Les chercheurs continuent de débattre de la question de savoir si la peinture est un autoportrait déguisé, un genre auquel Rembrandt est souvent revenu dans ses dernières années. Quoi qu'il en soit, l'œuvre se dresse comme un témoignage de la fascination durable de l'artiste pour les vies intérieures de ses sujets et des fortunes changeantes tant du peintre que de la peinture dans le monde turbulent d'Amsterdam au XVIIe siècle.