Quando il pittore olandese Abraham Bloemaert si è rivolto alla storia del Diluvio, si è unito a una tradizione secolare di artisti che si confrontano con uno degli episodi più strazianti della Bibbia. Ciò che distingue Il Diluvio è il modo in cui Bloemaert, una figura di spicco della scuola di Utrecht, ha catturato non solo il terrore delle acque, ma il dramma umano al suo interno. Sebbene la data esatta e le circostanze di questo dipinto rimangano incerte, il suo tema era un favorito nel nord Europa all'inizio del XVII secolo, dove le turbolenze religiose e la lotta contro il mare erano realtà quotidiane. Nel momento in cui Bloemaert ha scelto di dipingere, regna il caos.

L'Arca, distante e quasi sopraffatta da nuvole tempestose, è una debole promessa di salvezza, mentre in primo piano, figure disperate si aggrappano a rocce e tra di loro, alcune allungando le braccia verso l'alto, altre soccombendo alle acque crescenti. Il talento di Bloemaert per l'anatomia e il movimento è chiaro nei corpi contorti e nelle braccia tese, ogni gesto è una supplica di misericordia. Il cielo turbolento e le onde in tempesta sono dipinti con un dramma che ricorda Il Diluvio di Michelangelo nella Cappella Sistina, ma mentre le figure di Michelangelo sono monumentali e scultoree, quelle di Bloemaert sono più piccole, più fragili, il loro destino è più incerto.

Gli animali sparsi e i rami spezzati sottolineano la totalità della distruzione. La storia fisica di Il Diluvio è tanto torbida quanto il suo soggetto tempestoso. Non esiste alcun documento certo sulla sua commissione originale o sul suo primo possesso, e il medium del dipinto—che sia olio su tela o su tavola—rimane oggetto di dibattito accademico. Ciò che è certo è che la reputazione di Bloemaert come insegnante e innovatore nel Barocco olandese ha reso tali opere influenti tra i suoi allievi, tra cui Gerrit van Honthorst e Hendrick ter Brugghen.

Oggi, versioni del Diluvio di Bloemaert compaiono in diverse collezioni, sebbene la provenienza di ciascuna sia spesso incompleta. Questo dipinto si erge come un testimone sia delle ansie che dell'arte della sua epoca, collegando i mondi della fede, della paura e della minaccia sempre presente della natura.