Secolo d'oro olandese: pittori olandesi e pittura del Seicento

In pittura, il Secolo d'oro olandese è l'arte della Repubblica olandese nel Seicento, quando i pittori, lavorando per acquirenti privati più che per la Chiesa, produssero ritratti realistici di cittadini, scene di vita quotidiana, paesaggi e nature morte. Il vocabolario artistico del Getty colloca il Secolo d'oro tra la tregua dei dodici anni del 1609 e la morte del principe Guglielmo III nel 1702, o la pace di Utrecht del 1713. La National Gallery di Londra spiega che dopo la Riforma protestante le chiese olandesi non commissionavano più dipinti, e gli artisti dovevano lavorare per i privati.

Fonti: Getty AAT: Dutch Golden Age · National Gallery di Londra: Rembrandt

I quadri olandesi del Seicento sono immagini realistiche del mondo dei pittori: ritratti di cittadini, interni silenziosi, vita quotidiana, paesaggi sotto cieli ampi, il mare e nature morte, dipinti con grande attenzione alla luce e alle superfici. Molti pittori si specializzavano in un solo tipo di soggetto: le scene di vita contadina e cittadina erano particolarmente apprezzate nei Paesi Bassi del Seicento, dice la National Gallery di Londra, e la natura morta era così diffusa che il suo nome olandese, stilleven, è passato anche all'inglese (still life).

Fonti: National Gallery di Londra: Genres (glossario) · National Gallery di Londra: Still lives (glossario)

Il Secolo d'oro olandese è il Seicento: il Getty lo fa andare dalla tregua dei dodici anni del 1609 alla morte del principe Guglielmo III nel 1702, o alla pace di Utrecht del 1713. I quadri famosi scelti qui vanno dal paesaggio invernale di Hendrick Avercamp del 1608 circa al «Mulino a vento a Wijk bij Duurstede» di Jacob van Ruisdael del 1668–1670 circa, entrambi al Rijksmuseum. Alcuni pittori dell'epoca lavorarono fino al secolo successivo: Rachel Ruysch firmò una natura morta di fiori nel 1716.

Fonti: Getty AAT: Dutch Golden Age · Rijksmuseum · Rijksmuseum · Rijksmuseum

I pittori olandesi più famosi del Seicento sono Rembrandt, Johannes Vermeer e Frans Hals, che, ricorda il Rijksmuseum, furono a lungo considerati i tre grandi della pittura olandese del XVII secolo. Intorno a loro lavorarono gli specialisti descritti dalla National Gallery di Londra: Jan Steen con le argute scene morali di vita domestica, Pieter de Hooch con donne e bambini in casa, Ruisdael e Cuyp nel paesaggio, ter Borch con i suoi rasi e le sue sete, Carel Fabritius, il più innovativo allievo di Rembrandt, e i pittori di nature morte Heda e Kalf. Olandesi, ma di secoli più tardi, sono Vincent van Gogh e Piet Mondrian.

Fonti: Rijksmuseum: Frans Hals exhibition (comunicato stampa) · National Gallery di Londra: Jan Steen · National Gallery di Londra: Pieter de Hooch · National Gallery di Londra: Jacob van Ruisdael · National Gallery di Londra: Carel Fabritius · National Gallery di Londra: Gerrit Dou

Nel Seicento la pittura olandese e quella fiamminga nascono in due Stati diversi. Anversa, nei Paesi Bassi meridionali, faceva parte di un impero governato dalla Spagna cattolica, e lì Pieter Paul Rubens, il maestro del Barocco fiammingo, guidava una grande bottega che produceva soprattutto pale d'altare, dice la National Gallery di Londra. Nella Repubblica olandese, dopo la Riforma protestante, le chiese non commissionavano più quadri: pittori come Rembrandt lavoravano per acquirenti privati, e molti si specializzarono in ritratti, scene di vita quotidiana, paesaggi o nature morte. In italiano, però, anche gli olandesi vengono spesso chiamati fiamminghi.

Fonti: National Gallery di Londra: Peter Paul Rubens · National Gallery di Londra: Rembrandt · National Gallery di Londra: Genres (glossario)

In parte: appartiene all'epoca del Barocco, ma per lo più non ne ha l'aspetto. Il Getty colloca il Secolo d'oro olandese tra gli stili rinascimentali e barocchi dei Paesi Bassi, e la National Gallery di Londra definisce un dipinto di storia barocco il «Banchetto di Baldassarre» di Rembrandt. Ma la Gallery chiama barocche le opere grandi e drammatiche, a composizione diagonale, come quelle di Rubens, mentre quasi tutti i pittori olandesi vendevano ai privati ritratti, scene quotidiane, paesaggi e nature morte. Qualcuno portò il dramma dall'Italia: Gerrit van Honthorst tornò da Roma a Utrecht nel 1620 e diffuse in Olanda lo stile di Caravaggio e le scene a lume di candela.

Fonti: Getty AAT: Dutch Golden Age · National Gallery di Londra: Rembrandt · National Gallery di Londra: Baroque (glossario) · National Gallery di Londra: Gerrit van Honthorst

Rembrandt è noto per i forti contrasti di luce e ombra e, negli ultimi anni, per una pennellata densa e libera. La National Gallery di Londra dice che negli anni Trenta del Seicento adottò la luce drammatica sviluppata da Caravaggio e trovò un modo nuovo di descrivere i volti con giochi di luce e d'ombra, con ombre intorno agli occhi che danno ai suoi ritratti l'impressione di una mente viva e pensante; i quadri tardi usano pennellate larghe, a volte stese con la spatola, e sono fatti per essere visti da lontano.

Fonti: National Gallery di Londra: Rembrandt · Rijksmuseum

Vermeer appartiene al Secolo d'oro olandese e dipingeva scene tranquille di vita domestica in una luce del giorno morbida e uniforme. La National Gallery di Londra descrive la caratteristica luce perlacea delle sue scene domestiche mature, in cui la disposizione attenta degli oggetti e uno spazio architettonico ben definito guidano lo sguardo dentro il quadro, e a volte un quadro nel quadro ne rivela il significato. Il Rijksmuseum aggiunge che registrava la luce con straordinaria precisione: nella «Donna in azzurro che legge una lettera» dipinse la pelle in grigio chiaro e le ombre sul muro in azzurro. Di lui si conoscono solo circa 35 dipinti.

Fonti: National Gallery di Londra: Johannes Vermeer · Rijksmuseum · Rijksmuseum

La natura morta olandese del Seicento è un dipinto di oggetti come cibo, fiori, stoviglie e libri, un soggetto così popolare nei Paesi Bassi del Seicento che il suo nome olandese, stilleven, è passato anche all'inglese (still life), dice la National Gallery di Londra. Molte portano un messaggio di vanitas, un richiamo alla caducità della vita terrena: nella «Natura morta vanitas con lo Spinario» di Pieter Claesz un teschio e delle ossa giacciono tra libri, armature e strumenti musicali, e il Rijksmuseum ne legge il messaggio come «il mondo è solo illusione e caducità».

Fonti: National Gallery di Londra: Still lives (glossario) · National Gallery di Londra: Vanitas (glossario) · Rijksmuseum · Rijksmuseum · National Gallery di Londra: Willem Kalf

Le scene di genere sono scene di vita quotidiana, particolarmente apprezzate nei Paesi Bassi del Seicento, dove molti artisti si specializzarono in questo genere, dice la National Gallery di Londra: la vita contadina in Adriaen Brouwer e Adriaen van Ostade, la vita della borghesia cittadina in Gerard ter Borch, Gabriel Metsu e Vermeer. Molte hanno un messaggio. Nella «Famiglia allegra» di Jan Steen un biglietto sulla mensola del camino dice «Come cantano i vecchi, così cinguettano i giovani»: un avvertimento, spiega il Rijksmuseum, sui genitori che danno il cattivo esempio.

Fonti: National Gallery di Londra: Genres (glossario) · Rijksmuseum

Le pittrici più note del Secolo d'oro olandese sono Judith Leyster e Rachel Ruysch. Leyster divenne maestra nella gilda di San Luca di Haarlem nel 1633, e per il Rijksmuseum fu così la prima donna a diventare maestra pittrice nei Paesi Bassi del Seicento; la sua «Proposta» è al Mauritshuis. Ruysch, pittrice di fiori, fu pittrice di corte dell'elettore palatino a Düsseldorf dal 1708 al 1716, dice la National Gallery di Londra, e il Rijksmuseum la considera una delle pittrici di nature morte floreali più celebri d'Europa ai suoi tempi.

Fonti: Rijksmuseum · Mauritshuis (Google Arts & Culture) · National Gallery di Londra: Judith Leyster · National Gallery di Londra: Rachel Ruysch · Rijksmuseum

Sì. Tutti i pittori dei quadri famosi scelti qui sono morti entro il 1750, quindi le loro opere sono di pubblico dominio negli Stati Uniti e nei Paesi in cui il diritto d'autore scade 70 anni dopo la morte dell'artista. Puoi scaricarle gratis e usarle per qualsiasi scopo, anche commerciale. Alcuni Paesi hanno regole proprie sulle fotografie delle opere d'arte: controllale se pubblichi fuori dagli Stati Uniti.

Fonti: Biblioteca della Cornell University: Copyright Term and the Public Domain