Ciò che colpisce per primo nell'opera Processo di Filipe do Santos è la tensione elettrica tra la folla e il condannato, l'intera piazza catturata in un momento in cui giustizia e potere sono in mostra pubblica. Il pittore ci trascina nella scena con un vortice di corpi, volti e gesti: l'uomo con la camicia bianca strappata, spinto in avanti e sfidante, è circondato da una fitta folla di spettatori, soldati e funzionari. L'architettura incornicia il dramma: balconi affollati di spettatori, una chiesa imbiancata che rimane testimone silenzioso, e fumi che si alzano in lontananza, suggerendo una violenza oltre il telaio.

La palette è terrosa e inquieta, la pennellata è sciolta e urgente, come se l'artista volesse catturare il caos del momento prima che potesse trasformarsi in leggenda. Dipinta intorno al 1923 da Antonio Parreiras, quest'opera guarda indietro di due secoli alla rivolta che scosse il Brasile coloniale nel 1720. Queste scene storiche erano un genere privilegiato all'inizio del ventesimo secolo, quando artisti di tutta l'America Latina rivisitavano momenti di ribellione e repressione per indagare su questioni di identità nazionale e memoria collettiva. Questi dipinti erano spesso commissionati per istituzioni pubbliche o spazi civici, destinati a istruire tanto quanto a commemorare.

Sebbene poco sia registrato sul percorso di questa particolare tela, la sua presenza in una collezione oggi è un promemoria di come il passato venga messo in scena e rimesso in scena per ogni nuova generazione. Lo spettatore è lasciato a decidere dove risieda la simpatia e a chiedersi quali echi di questo processo persistano ancora nella luce polverosa della piazza.