クロード・モネの草上の昼食ほど、芸術的な競争と野心に絡み合った絵画は少ない。1865年、モネは、1863年にエドゥアール・マネが創作した悪名高い草上の昼食と同じテーマに挑戦することで、パリの芸術界に挑戦しようとした。この作品は、その大胆な裸体と現代的な背景で拒絶サロンを騒がせた。モネ自身のバージョンは、わずか2年後に始まり、さらに大規模で、幅が4メートルを超える予定であり、前衛派の中での評判を確立することを目指して描かれた。しかし、経済的な困難がモネを巨大なキャンバスを放棄させ、いくつかの断片に切り刻むことを余儀なくさせ、今日でもいくつかが残っている。 残された部分では、モネはゆったりとした余暇の瞬間を選んでいる。優雅に着飾った友人たちが、木漏れ日の下で集まり、草の上にピクニックを広げている。人物たちは会話を交わし、リラックスし、白い衣服が葉を通した日差しを受けて輝き、森は千の緑の色合いで輝いている。マネの服を着た男性と裸体の女性の挑発的な対比とは異なり、モネは光、色、そして夏の午後の儚い感覚の相互作用に焦点を当てている。落ちた帽子、半分食べられた果物、そしてカジュアルなポーズは、現代生活の即時性を捉える新しい絵画のスタイルを物語っている。この点において、モネは印象派運動を予見し、学術的な仕上げよりも瞬間の感覚を重視している。 モネの草上の昼食の歴史は、絵画自体と同様に断片的である。この作品は決して完成されず、貧困の時期に芸術家によって切り刻まれ、今日では2つの大きな部分といくつかの研究が残っている。そのうちの1つは、パリのオルセー美術館に所蔵されている。この未完成のプロジェクトは、モネにとっての転機を示しており、印象派を定義することになる屋外技法や明るいパレットへと彼を押し進めた。完全なキャンバスは決して全体で展示されることはなかったが、残された断片はモネの野心と、彼の署名となる光と雰囲気の儚い効果を捉えようとする初期の苦闘を証明するものである。