Em 1628, Peter Paul Rubens retornou a Antuérpia de uma missão diplomática na Espanha, trazendo consigo não apenas novas influências artísticas, mas também um vigor renovado para temas religiosos. Entre as obras desse período está Jesus e o Menino São João com um cordeiro, uma composição que existe em várias versões, cada uma refletindo a abordagem em evolução de Rubens sobre a inocência infantil e o destino divino. A repetição desse tema por Rubens há muito intriga os estudiosos: ele estava refinando uma meditação pessoal sobre a vida precoce de Cristo ou respondendo a comissões repetidas de devotos patronos? A resposta permanece em aberto, mas a calorosidade e intimidade da pintura a destacam das imagens devocionais mais formais de seus contemporâneos. Rubens captura o encontro infantil de Jesus e seu primo João Batista, um momento que não é descrito em detalhes nos Evangelhos, mas imaginado por artistas como uma prefiguração de seus futuros papéis.

Nesta versão, as duas crianças estão acompanhadas por um cordeiro—símbolo do sacrifício de Cristo—enquanto seus gestos e olhares falam tanto de brincadeira quanto de profecia. Os braços gordinhos de Jesus envolvem o cordeiro, enquanto João, reconhecível por sua vestimenta de pelo de camelo, aponta para seu primo em um gesto de reconhecimento. A suave luz dourada e a paisagem exuberante evocam a influência de pintores venezianos como Tiziano, mas as figuras de Rubens são mais robustas, sua carne representada com uma vitalidade que faz a cena sagrada parecer imediata e real. A história precisa inicial desta pintura é incerta, como costuma acontecer com obras do prolífico ateliê de Rubens, onde assistentes às vezes contribuíam para várias versões de uma composição.

O que é claro é que, no final da década de 1620, Rubens estava no auge de suas habilidades, equilibrando grandes altares com cenas devocionais mais íntimas como esta. Ao longo dos séculos, versões de Jesus e o Menino São João com um cordeiro encontraram lares em coleções por toda a Europa e além, às vezes mal atribuídas ou alteradas por mãos posteriores. Hoje, a pintura se mantém como um testemunho da capacidade de Rubens de misturar simbolismo teológico com a observação carinhosa da infância, uma marca registrada de seu estilo tardio barroco.