Quando Pierre-Auguste Renoir pintou Açucareiro e Taça de Prata em 1910, ele já sofria de artrite reumatoide severa, com as mãos tão torcidas que precisava amarrar os pincéis aos pulsos. Esta obra tardia é um testemunho de sua determinação em pintar apesar da dor física e de sua fascinação ao longo da vida pelo jogo de luz sobre objetos do dia a dia. A pintura pertence a um pequeno grupo de naturezas mortas que Renoir criou na última década de sua vida, um período em que frequentemente se voltou para temas domésticos íntimos, talvez como uma forma de encontrar beleza no ordinário durante tempos difíceis. Aqui, a taça de prata e o açucareiro de porcelana repousam tranquilamente sobre uma mesa, banhados em uma luz suave e quente.

Renoir opta por não dramatizar ou embelezar: os objetos são representados com pinceladas soltas e fluidas, suas superfícies brilhando com sutis reflexos e sombras suaves. O açucareiro, decorado com delicados motivos azuis, e a taça polida, convidam o espectador a se demorar em suas texturas e formas. Ao contrário das naturezas mortas agudas e analíticas de Paul Cézanne, a abordagem de Renoir é sensível e afetuosa, enfatizando o prazer da vista e do toque.

A cena não se trata de uma grande narrativa, mas da alegria do pintor na maneira como a luz acaricia a porcelana e a prata. Açucareiro e Taça de Prata não possui um grande comissionamento conhecido ou uma proveniência ilustre; provavelmente foi pintada na casa do artista em Cagnes-sur-Mer, onde Renoir passou seus últimos anos. A obra reflete o estilo tardio do artista — rico em cor, solto em forma e focado na intimidade da vida doméstica. Hoje, continua a ser um exemplo silencioso, mas poderoso, do duradouro romance de Renoir com a luz e a superfície, e da resiliência de seu espírito artístico mesmo diante da adversidade física.

Sua localização atual não é amplamente divulgada, mas é valorizada como parte do legado íntimo e contemplativo dos últimos anos de Renoir.