Was den Betrachter zuerst fesselt, ist die elektrische Ladung des Moments: ein Sterblicher, halb in Weiß gehüllt, wird mitten im Aufstieg erfasst, seine Hand von einer kraftvollen, strahlenden Figur gehalten, die sich mit einem Lorbeerkranz zu ihm hinunterbeugt. Der Schwung ihres scharlachroten und grünen Drapes füllt die obere rechte Ecke, fast aus dem Himmel fallend. Jeder Muskel im Körper des Mannes spannt sich nach oben, sein Blick auf das Gesicht der Frau gerichtet—während unten eine dunklere Figur, mit Blättern und Schatten gekrönt, den Austausch mit vorsichtiger Faszination beobachtet.

Das Licht fällt von oben, hebt die Spannung in Sehnen und Stoff hervor und führt das Auge von der Lorbeerkrone zur ausgestreckten Hand und hinunter zum irdischen Beobachter. Die Farbpalette ist kühn, die Gesten theatralisch, die Szene schwebt zwischen Welten. Zwischen etwa 1620 und 1630 von Abraham Janssens gemalt, gehört dieses Werk zu einer Zeit, in der mythologische Themen eine Schaufläche sowohl für malerische Bravour als auch für gelehrte Erzählkunst waren. In Antwerpen zu Beginn des 17.

Jahrhunderts waren solche Bilder bei Sammlern begehrt, die ihre Gelehrsamkeit und ihren Geschmack für das Antike zur Schau stellen wollten. Das Thema—eine Apotheose oder Erhebung eines Helden—bot den Künstlern die Möglichkeit, die Grenzen zwischen Sterblichen und Göttlichem, Fleisch und Geist, Erde und Himmel zu erkunden. Über den spezifischen Weg dieses Gemäldes vor seiner Ankunft in der Sammlung der Pinakothek ist wenig bekannt, aber seine theatralische Komposition und grandiose Größe sprechen von einer Welt, in der Kunst eine Bühne für die Vorstellungskraft war.

Je länger man schaut, desto mehr zieht das Drama von Geste, Farbe und Blick einen in seinen geladenen, unsicheren Raum hinein.