Am 5. September 1879 stand Claude Monet am Bett seiner Frau, Camille, als sie im Alter von zweiunddreißig Jahren dem Krebs erlag. In den Stunden nach ihrem Tod tat Monet etwas Außergewöhnliches: Er malte sie zum letzten Mal und hielt ihr Gesicht fest, während es aus dem Leben schwand.

Dieser Akt, den Monet selbst als eine Möglichkeit beschrieb, "das Vergehen eines geliebten Gesichts festzuhalten", gilt als einer der intimsten und erschütterndsten Momente in der Geschichte des Impressionismus. Anders als in seinen sonnenbeschienenen Gärten oder den geschäftigen Bahnhöfen konfrontierte Monet hier den Verlust direkt und machte Camille Monet auf ihrem Sterbebett sowohl zu einem persönlichen Denkmal als auch zu einem radikalen Akt der Beobachtung. Das Gemälde richtet seinen Blick auf die stillen Züge von Camille, deren Gesicht bereits vom Tod blass ist, umrahmt vom Weiß ihres Leichentuchs und dem Kissen unter ihrem Kopf. Monets Pinselstrich ist locker, fast zitternd, als ob der Malakt selbst ein Kampf gegen die Trauer wäre.

Die kühle Farbpalette, dominiert von blassen Blau- und Grautönen, vermittelt die Kühle des Raumes und die Endgültigkeit des Moments. Es gibt keine sentimentalen Gesten, keine Trostzeichen; stattdessen hält Monet fest, was er sieht, mit einer rohen Ehrlichkeit, die an Edouard Manet und dessen ebenso unerschütterliches Tote Torero erinnert. Das Licht, das sanft von links fällt, scheint Camille ein letztes Mal ins Gesicht zu streicheln und markiert die Grenze zwischen Präsenz und Abwesenheit. Das Schicksal von Camille Monet auf ihrem Sterbebett ist weniger dokumentiert als viele von Monets späteren Werken, und ihr aktueller Standort ist nicht weit verbreitet, wobei einige Quellen darauf hinweisen, dass sie sich in einer Privatsammlung befindet.

Das Gemälde war nie für die öffentliche Ausstellung gedacht, und Monet sprach selten darüber, vielleicht weil es das Ende seiner frühen, intimeren Phase und den Beginn seiner lebenslangen Beschäftigung mit dem Vergehen der Zeit und dem Spiel des Lichts markierte. Als physisches Objekt hebt es sich von seinen gefeierten Landschaften ab und bietet einen Einblick in die persönlichen Kosten hinter der Entwicklung des Impressionismus. Heute wird es als eines der ehrlichsten und verletzlichsten Werke in Monets Oeuvre anerkannt, ein Zeugnis für die Kraft der Kunst, selbst den privatesten Schmerz zu konfrontieren.