Il 5 settembre 1879, Claude Monet si trovava al capezzale di sua moglie, Camille, mentre lei cedeva al cancro all'età di trentadue anni. Nelle ore successive alla sua morte, Monet fece qualcosa di straordinario: la dipinse per l'ultima volta, catturando il suo volto mentre svaniva dalla vita. Questo atto, descritto dallo stesso Monet come un modo per "registrare il passaggio di un volto amato", si erge come uno dei momenti più intimi e strazianti nella storia dell'Impressionismo.

A differenza dei suoi giardini illuminati dal sole o delle stazioni ferroviarie affollate, qui Monet affrontò direttamente la perdita, rendendo Camille Monet sul suo letto di morte sia un memoriale personale che un atto radicale di osservazione. Il dipinto fissa il suo sguardo sulle caratteristiche serene di Camille, il suo volto già sbiancato dalla morte, incorniciato dal bianco del suo sudario e dal cuscino sotto la sua testa. La pennellata di Monet è sciolta, quasi tremolante, come se l'atto di dipingere fosse una lotta contro il dolore. La palette fredda, dominata da blu pallidi e grigi, trasmette il freddo della stanza e la fatalità del momento.

Non ci sono gesti sentimentali, né simboli di conforto; invece, Monet registra ciò che vede con una cruda onestà che ricorda Edouard Manet e il suo altrettanto implacabile Toreador morto. La luce, che cade dolcemente da sinistra, sembra accarezzare il volto di Camille un'ultima volta, segnando il confine tra presenza e assenza. Il destino di Camille Monet sul suo letto di morte è meno documentato rispetto a molte delle opere successive di Monet, e la sua attuale posizione non è ampiamente pubblicizzata, con alcune fonti che suggeriscono che rimanga in una collezione privata. Il dipinto non è mai stato destinato all'esposizione pubblica, e Monet ne parlò raramente, forse perché segnava la fine del suo periodo iniziale, più intimo, e l'inizio della sua preoccupazione per il passare del tempo e il gioco della luce.

Come oggetto fisico, si distingue dai suoi celebri paesaggi, offrendo uno sguardo sul costo personale dietro l'evoluzione dell'Impressionismo. Oggi è riconosciuto come una delle opere più oneste e vulnerabili del repertorio di Monet, una testimonianza del potere dell'arte di affrontare anche il dolore più privato.