Was zuerst ins Auge fällt, ist das verspielte Selbstbewusstsein der Marquise, eine Eigenschaft, die zwischen der gepuderten Zartheit ihres Teints und dem sanften Schalk in ihrem Halblächeln zu schweben scheint. Der Künstler, Jean-Marc Nattier, hat sie in einem Moment eingefangen, der sowohl inszeniert als auch spontan wirkt: Eine Hand sammelt die korallenrote Seide um sie herum, während die andere den Rand ihrer Chemise in einer Geste hebt, die weder ganz bescheiden noch ganz enthüllend ist. Die blauen Blumen, die in ihr gepudertes Haar eingewebt sind, verleihen einen Hauch von Kunstfertigkeit, doch ihre Platzierung ist so lässig, dass sie dort kurz bevor sie sich setzte, gesteckt worden sein könnten.

Das Licht fällt sanft über ihre nackten Schultern, wärmt die Haut und hebt die Kühle des Drapierens hervor, während der Hintergrund in eine blätterreiche Dunkelheit zurücktritt und dafür sorgt, dass die gesamte Aufmerksamkeit auf ihr bleibt. Porträts wie dieses, die zu Beginn des 18. Jahrhunderts gemalt wurden, waren mehr als nur Abbildungen; sie waren Aufführungen, geschaffen für ein Publikum, das die Codes von höfischem Witz und Mode beherrschte. In der Welt des Rokoko-Frankreichs beauftragten Frauen von Rang solche Bilder, um ihren Platz in der Gesellschaft zu behaupten, um zu bezaubern und um in Erinnerung zu bleiben.

Nattier wurde für seine Fähigkeit gefeiert, zu schmeicheln und gleichzeitig ein Gefühl von Persönlichkeit einzufangen, und seine Modelle erscheinen oft als mythologische Figuren oder in fantasievoller Kleidung, wodurch die Grenze zwischen Realität und Maskerade verschwimmt. Dieses Werk, das sich jetzt im Nationalmuseum befindet, ist undatiert und seine frühe Geschichte ist wenig dokumentiert, aber es steht als Zeugnis einer Zeit, in der die Porträtmalerei ein Theater der Eleganz und Selbstinszenierung war. Schau noch einmal auf den Blick der Marquise—halb Einladung, halb Geheimnis—und stelle dir die Welt der Salons und geflüsterten Intrigen vor, aus der sie hervorgegangen ist.