Als Anthony van Dyck um 1630 Maria Magdalena malte, war er bereits für seine Porträts europäischer Adliger bekannt, doch es wird gesagt, dass er in dieser Zeit mehrere Versionen der Magdalena schuf – jede mit subtilen Unterschieden, die Wissenschaftler seit Jahrhunderten faszinieren. Die Verbreitung dieser Bilder deutet auf eine starke Nachfrage nach dem Thema hin, wahrscheinlich von privaten Sammlern, die sowohl religiöse Inspiration als auch einen Hauch von Sinnlichkeit suchten. Die Beliebtheit der Magdalena im katholischen Flandern war immens, und Van Dycks Interpretation wurde so bewundert, dass sie von seinen Nachfolgern kopiert und manchmal mit dem Werk seines Lehrers, Peter Paul Rubens, verwechselt wurde.

Selbst heute dauern die Debatten darüber an, welche Magdalena die "primäre" Version ist und woher der ursprüngliche Auftrag stammen könnte. Das Gemälde zeigt Maria Magdalena auf dem Höhepunkt ihrer Buße, mit dem Blick zum Himmel erhoben, die Augen voller Tränen. Ihr lockiges Haar und die nackte Schulter deuten auf ihr früheres Leben hin, während der Schädel, den sie hält, eine eindringliche Erinnerung an die Sterblichkeit und die Vergänglichkeit irdischer Freuden ist. Ein sanftes, goldenes Licht badet ihr Gesicht und intensiviert das Drama ihrer emotionalen Wandlung.

Im Gegensatz zu Caravaggios dunklerer, introspektiverer Magdalena ist Van Dycks Figur strahlend und fast königlich, ihre Traurigkeit berührt von Hoffnung. Die reichen Stoffe und das zarte Schmuckstück, das neben ihr verstreut liegt, deuten auf den Reichtum hin, den sie aufgegeben hat, und unterstreichen das Thema der spirituellen Transformation. Der genaue Weg dieser besonderen Maria Magdalena bleibt etwas geheimnisvoll, da im 17. Jahrhundert so viele Versionen zirkulierten und von Sammlern in ganz Europa geschätzt wurden.

Es wird angenommen, dass sie mehrere private Hände durchlief, bevor sie in eine öffentliche Sammlung gelangte, obwohl die Einzelheiten in der Geschichte verloren sind. Sicher ist, dass das Werk an einem Wendepunkt in Van Dycks Karriere steht, kurz bevor er Antwerpen verließ, um in England Hofmaler von Karl I. zu werden.

Heute wird das Gemälde als ein Zeugnis für Van Dycks Fähigkeit gefeiert, die große Emotion des Barock mit einer intimen, menschlichen Note zu verbinden.