Das erste, was ins Auge fällt, ist der makabre Humor: Ein Skelett, geschmückt in der Pracht eines Toreros, steht mit ausgebreiteten Armen, während eine andere skelettartige Figur vor ihm kniet, die Hände erhoben in einer Geste, die zwischen Bitte und theatralischem Alarm schwebt. Die kräftigen, schwarzen Linien von José Guadalupe Posada schnitzen eine Welt, in der der Tod nicht verborgen, sondern zur Schau gestellt, verkleidet und zum Tanzen gebracht wird. Der breitkrempige Hut und die eng anliegenden Hosen des Toreros sind unverkennbar, doch der grinsende Schädel unter dem Hut verwandelt die Prahlerei in Farce.

Der offene Mund und das nach oben gerichtete Gesicht des knienden Skeletts scheinen zu flehen oder zu scherzen und laden den Betrachter ein, über das Drama nachzudenken, das sich zwischen diesen beiden Figuren entfaltet: Ist dies ein Moment der Verspottung, eine Bitte um Gnade oder ein ironischer Kommentar zu den Rollen, die wir spielen? Dieser Druck gehört zu einer Welt, in der die Grenze zwischen Leben und Tod ständig mit Tinte neu gezogen wurde. Ende des 19. und Anfang des 20.

Jahrhunderts in Mexiko waren Bilder wie diese—preiswert, kühn und sofort lesbar—ein fester Bestandteil der Populärkultur, gedruckt für Flugblätter, Broschüren und festliche Anlässe. Posadas Calaveras wurden zu Ikonen der Epoche, die sich über die Mächtigen lustig machten und alle an ihre Sterblichkeit erinnerten. Das Metropolitan Museum of Art beherbergt nun dieses Werk und datiert es zwischen 1880 und 1910, einer Zeit, in der Mexiko von politischen Veränderungen erschüttert wurde und die populäre Druckkunst florierte.

Die Geschichte hat nur wenige Spuren der individuellen Geschichten hinter solchen Drucken hinterlassen, aber ihr Geist bleibt bestehen—uns einladend, erneut hinzusehen und vielleicht über die Skelette zu lachen, die wir alle unter der Oberfläche tragen.