Im Jahr 1632, auf dem Höhepunkt seiner Karriere in Antwerpen, malte Anthony van Dyck Die Auferstehung als Teil einer gefeierten Serie von Altartafeln für die Jesuiten-Kirche St. Karl Borromäus. Dieser Auftrag stellte ihn in direkte Konkurrenz zu seinem ehemaligen Meister, Peter Paul Rubens, dessen eigene Werke für die Kirchen in Antwerpen den Maßstab für religiöse Kunst in der Stadt gesetzt hatten.

Das Gemälde hebt sich durch seine dramatische Energie und den theatralischen Einsatz von Licht hervor, den zeitgenössische Betrachter als "wunderbar in seiner Wirkung" lobten, so der jesuitische Chronist Jean Bollandus. Im Gegensatz zu vielen Darstellungen der Auferstehung wurde Van Dycks Version sofort für ihre emotionale Intensität und innovative Komposition anerkannt. Der Moment, den Van Dyck wählte, ist der triumphale Aufstieg Christi aus dem Grab—seine rechte Hand zum Segen erhoben, sein weißes Leichentuch um ihn wirbelnd und sein Blick zum Himmel gerichtet. Die Soldaten darunter weichen erschrocken zurück, ihre Rüstungen blitzen im übernatürlichen Licht, das von der Figur Christi ausgeht.

Der Kontrast zwischen den verblüfften, irdischen Wachen und dem leuchtenden, aufsteigenden Christus unterstreicht die göttliche Natur des Wunders. Der scharfe Einsatz von Diagonalen und fließenden Drapierungen zieht das Auge nach oben und spiegelt die Bewegung Christi selbst wider. Im Vergleich zu Rubens’ eigener Auferstehung (1612) ist Van Dycks Christus ruhiger, weniger muskulös und betont den spirituellen Sieg statt der physischen Kraft. Die genaue frühe Geschichte von Die Auferstehung ist nicht vollständig dokumentiert, aber es ist bekannt, dass Van Dycks Altartafeln in Antwerpen nach der Unterdrückung des Jesuitenordens im späten 18.

Jahrhundert verstreut wurden. Einige Werke aus der Serie gelangten in private Sammlungen, während andere verloren gingen oder falsch zugeordnet wurden. Heute wird Die Auferstehung als ein Schlüsselbeispiel für Van Dycks reifen religiösen Stil anerkannt, der italienische Anmut mit nordischem Realismus verbindet.

Ihre kühne Komposition und emotionale Klarheit markieren einen Wendepunkt in seiner Karriere, als er aus dem Schatten von Rubens trat, um seine eigene künstlerische Identität zu etablieren. Der aktuelle Standort des Gemäldes ist nicht festgelegt, was die turbulenten Reisen vieler Meisterwerke des 17. Jahrhunderts bezeugt.