En 1632, à l'apogée de sa carrière à Anvers, Anthony van Dyck a peint La Résurrection dans le cadre d'une série célèbre de retables pour l'église jésuite de Saint Charles Borromée. Cette commande l'a placé en concurrence directe avec son ancien maître, Peter Paul Rubens, dont les œuvres pour les églises d'Anvers avaient établi la norme pour l'art religieux dans la ville. La peinture se distingue par son énergie dramatique et son utilisation théâtrale de la lumière, que les spectateurs contemporains ont louée comme "miraculeuse dans son effet", selon le chroniqueur jésuite Jean Bollandus.

Contrairement à de nombreuses représentations de la Résurrection, la version de Van Dyck a été immédiatement reconnue pour son intensité émotionnelle et sa composition innovante. Le moment choisi par Van Dyck est celui de l'émergence triomphante du Christ du tombeau—son bras droit levé en bénédiction, son suaire blanc tourbillonnant autour de lui et son regard dirigé vers le ciel. Les soldats en dessous reculent de terreur, leur armure scintillant dans la lumière surnaturelle qui émane de la figure du Christ. Le contraste entre les gardes stupéfaits et ancrés dans la terre et le Christ lumineux et ascendant souligne la nature divine du miracle.

L'utilisation par le peintre de diagonales nettes et de drapés fluides attire le regard vers le haut, faisant écho au mouvement du Christ lui-même. Comparé à la propre Résurrection de Rubens (1612), le Christ de Van Dyck est plus serein, moins musclé, mettant l'accent sur la victoire spirituelle plutôt que sur la force physique. L'histoire précise des débuts de La Résurrection n'est pas entièrement documentée, mais il est connu que les retables de Van Dyck à Anvers ont été dispersés après la suppression de l'ordre jésuite à la fin du XVIIIe siècle. Certaines œuvres de la série sont entrées dans des collections privées, tandis que d'autres ont été perdues ou mal attribuées.

Aujourd'hui, La Résurrection est reconnue comme un exemple clé du style religieux mature de Van Dyck, alliant grâce italienne et réalisme nordique. Sa composition audacieuse et sa clarté émotionnelle marquent un tournant dans sa carrière, alors qu'il est passé de l'ombre de Rubens à l'établissement de sa propre identité artistique. La localisation actuelle de la peinture n'est pas fermement établie, témoignant des voyages tumultueux de nombreuses œuvres maîtresses du XVIIe siècle.