Cuando Peter Paul Rubens pintó Perseo y Andrómeda en 1636, estaba en la cúspide de su fama, trabajando en una grandiosa serie de lienzos mitológicos para la Torre de la Parada, la casa de caza real del rey Felipe IV de España. Este encargo colocó a Rubens entre los pintores más solicitados de Europa, y sus escenas mitológicas eran valoradas por su energía y sensualidad. La historia de Perseo y Andrómeda, con su drama y espectáculo, era una combinación perfecta para los gustos de la corte española, ansiosa por exhibir tanto erudición como poder a través del arte. En el centro de la pintura, Perseo acaba de matar al monstruo marino enviado para devorar a Andrómeda, quien se encuentra encadenada a un saliente rocoso.

Rubens captura el momento del rescate: Perseo, aún empuñando su espada, se vuelve hacia la temblorosa Andrómeda, cuya piel pálida brilla contra el oscuro y turbulento cielo y la bestia derrotada a sus pies. El casco alado y las sandalias marcan a Perseo como el hijo favorecido de los dioses, mientras que las cadenas rotas en las muñecas de Andrómeda señalan su liberación. En contraste con tratamientos anteriores, como la versión de Tiziano, donde el monstruo aún amenaza, la escena de Rubens es una de triunfo y alivio, con la mirada del héroe fija en la mujer que ha salvado. El viaje de la pintura comenzó en las colecciones reales de España, donde colgaba junto a otras obras mitológicas de Rubens y su taller.

A lo largo de los siglos, su medio—probablemente óleo sobre lienzo—ha sido objeto de cierto debate, ya que los registros de la época de la Torre de la Parada son incompletos. Hoy, Perseo y Andrómeda se erige como un testimonio de la capacidad de Rubens para fusionar el mito clásico con el drama y el movimiento del estilo Barroco. Su supervivencia y continua exhibición ofrecen un vistazo a los gustos y ambiciones de las cortes europeas del siglo XVII, así como al atractivo perdurable de las historias antiguas contadas a través de la pintura.