En 1635, Peter Paul Rubens était à l'apogée de sa renommée, et son interprétation de la Crucifixion, Christ crucifié entre deux voleurs, se distingue par son drame et son ampleur. Ce qui rend cette œuvre particulièrement remarquable, c'est sa place au sein d'une série de scènes de Crucifixion que Rubens a peintes tout au long de sa carrière, réimaginant chaque fois l'événement avec une nouvelle force émotionnelle et une intensité théâtrale. Le sujet était central pour la dévotion catholique dans les Pays-Bas espagnols, et les versions de Rubens étaient très recherchées par les églises et les collectionneurs, alimentant à la fois le fervor religieux et la rivalité artistique. La scène choisie par Rubens est le moment de l'agonie finale du Christ, flanqué des deux voleurs.

Le corps du Christ, tordu par la douleur mais illuminé par un rayon de lumière, domine le centre, tandis que les voleurs se tordent dans l'ombre de chaque côté : l'un résigné, l'autre défiant. Des soldats et des endeuillés encombrent le premier plan, leurs gestes étant un enchevêtrement de chagrin et d'indifférence. Le contraste dramatique entre lumière et obscurité, connu sous le nom de clair-obscur, intensifie le sentiment de lutte spirituelle.

Contrairement à la géométrie contenue de Diego Velázquez dans Christ Crucifié, la composition de Rubens déborde de mouvement et d'émotion ; chaque muscle et chaque expression est chargé de vie et de souffrance. La commande précise de cette peinture n'est pas entièrement documentée, mais elle a probablement été commandée par une église éminente ou un mécène privé à Anvers, où l'atelier de Rubens était un véritable centre d'activité dans les années 1630. Au fil des siècles, des œuvres de ce type ont souvent voyagé - parfois saisies comme butin de guerre, parfois vendues dans les marées changeantes de la collection européenne. Aujourd'hui, Christ crucifié entre deux voleurs est reconnu comme un exemple quintessential de la peinture religieuse baroque, incarnant à la fois la grandeur et l'humanité qui définissent le style tardif de Rubens.

Son parcours depuis l'atelier de l'artiste jusqu'aux murs du musée moderne reflète le pouvoir durable de son sujet et l'énergie insatiable de son créateur.