Le baroque en peinture : tableaux et peintres baroques

En art, le baroque désigne le style dramatique et émouvant qui domine la peinture, la sculpture et l'architecture européennes de 1590 environ à 1750. La Tate y voit le style dominant du XVIIe siècle, marqué par l'assurance, le dynamisme et une approche réaliste de la représentation. La National Gallery de Londres emploie le mot pour des œuvres de grande taille, dramatiques et exubérantes, aux compositions en diagonale et aux effets d'illusion destinés à impressionner le spectateur, et précise que le terme, d'abord péjoratif, viendrait du portugais barroco, une perle irrégulière.

Sources : Tate : Baroque · National Gallery de Londres, glossaire : Baroque · Getty AAT : Baroque

La peinture baroque se reconnaît à ses forts contrastes d'ombre et de lumière, à ses grandes diagonales et à ses courbes, au mouvement, à un réalisme audacieux et à l'émotion affichée. Le vocabulaire d'art du Getty cite le goût du spectacle et de l'émotion, les contrastes de la lumière et de l'ombre, du plein et du vide, et les fortes diagonales et courbes. La Tate y ajoute un mouvement dynamique, un réalisme audacieux qui donne au spectateur l'impression d'assister à un événement réel, et un appel direct à l'émotion. Beaucoup de peintres suivent le Caravage en éclairant visages et mains sur un fond presque entièrement sombre : c'est le ténébrisme.

Sources : Getty AAT : Baroque · Tate : Baroque · National Gallery de Londres, glossaire : Tenebrism

La période baroque va de 1590 environ à 1750, selon le vocabulaire d'art du Getty, et la Tate situe son apogée à Rome vers 1630–1680. En France, elle cède la place au début du XVIIIe siècle au rococo, un style plus léger que la Tate décrit comme une réaction à la grandeur baroque de Versailles après la mort de Louis XIV ; la National Gallery de Londres rattache le rococo au règne de Louis XV, à partir de 1715. Le néoclassicisme suit à partir de 1750 environ, indique la Tate.

Sources : Getty AAT : Baroque · Tate : Baroque · Tate : Rococo · National Gallery de Londres, glossaire : Rococo · Tate : Neoclassicism

Aucun artiste ne l'a lancée seul : deux peintres actifs à Rome vers 1600, le Caravage, arrivé en 1592, et Annibale Carrache, qui y travaille dès 1595, ont façonné la peinture baroque. Selon la National Gallery de Londres, l'éclairage dramatique, presque théâtral, du Caravage a rendu ses tableaux controversés, populaires et très influents dans toute l'Europe, tandis que Carrache, auteur de la voûte de la galerie du palais Farnèse, passe pour avoir sauvé l'art italien des excès du maniérisme. Né à Rome, le baroque gagne ensuite l'Europe, explique la Tate. Rubens rentre à Anvers en 1608, Velázquez devient peintre de la cour à Madrid en 1623 et Van Dyck s'installe à Londres en 1632.

Sources : National Gallery de Londres : Le Caravage · National Gallery de Londres : Annibale Carracci · Tate : Baroque · National Gallery de Londres : Pierre Paul Rubens · National Gallery de Londres : Diego Velázquez · National Gallery de Londres : Antoine van Dyck

Le baroque est étroitement lié à la Contre-Réforme : l'Église catholique voulait un art qui émeuve et impressionne les fidèles. La Tate rattache le style à la Contre-Réforme et juge son mouvement, son réalisme audacieux et son appel direct à l'émotion parfaitement adaptés pour proclamer l'élan retrouvé de l'Église. La National Gallery de Londres explique que le concile de Trente a défini le type d'images qui servirait le mieux l'Église, et décrit les œuvres baroques comme usant de compositions en diagonale et d'effets d'illusion pour impressionner le spectateur. Le même drame se retrouve dans les portraits, les sujets mythologiques et les natures mortes, note la Tate.

Sources : Tate : Baroque · National Gallery de Londres, glossaire : The Counter-Reformation · National Gallery de Londres, glossaire : Baroque

Parmi les artistes baroques les plus célèbres figurent le Caravage, Artemisia Gentileschi, Pierre Paul Rubens, Diego Velázquez et Antoine van Dyck, ainsi que le sculpteur Gian Lorenzo Bernini, dit le Bernin. En Italie, Annibale Carrache, Guido Reni et le Guerchin travaillent à Rome et à Bologne, et la National Gallery de Londres voit en Artemisia la femme peintre la plus célèbre du XVIIe siècle. En Espagne, Velázquez est peintre de la cour de Philippe IV, tandis que Zurbarán puis Murillo dominent la peinture à Séville ; en Flandre, Van Dyck est le plus important peintre après Rubens. Les peintres hollandais comme Rembrandt et Vermeer ont leur propre page, le Siècle d'or hollandais.

Sources : Tate : Baroque · National Gallery de Londres : Artemisia Gentileschi · National Gallery de Londres : Guido Reni · National Gallery de Londres : Guercino · National Gallery de Londres : Diego Velázquez · National Gallery de Londres : Francisco de Zurbarán · National Gallery de Londres : Bartolomé Esteban Murillo · National Gallery de Londres : Jusepe de Ribera · National Gallery de Londres : Antoine van Dyck · National Gallery de Londres : Nicolas Poussin

Les tableaux baroques les plus connus sont Les Ménines et La Reddition de Bréda de Velázquez, au musée du Prado, La Vocation de saint Matthieu et La Décollation de saint Jean-Baptiste du Caravage, la Vénus à son miroir de Velázquez, Judith décapitant Holopherne, peinte par le Caravage puis par Artemisia Gentileschi, et L'Érection de la Croix de Rubens, à Anvers. La National Gallery de Londres tient Les Ménines pour l'œuvre la plus célèbre de Velázquez ; l'église Saint-Louis-des-Français, à Rome, voit dans La Vocation de saint Matthieu, commandée en 1600, le tournant de la carrière du Caravage, et La Décollation, peinte à Malte, lui valut d'entrer dans l'ordre de Malte.

Sources : National Gallery de Londres : Diego Velázquez · Église Saint-Louis-des-Français (Rome) : Caravaggio · National Gallery de Londres : Le Caravage

L'art de la Renaissance recherche l'équilibre, l'harmonie et les idéaux de la Grèce et de la Rome antiques ; l'art baroque vise le drame, le mouvement et l'émotion. La Tate décrit la Renaissance comme le renouveau de l'art né en Italie vers 1400, à son apogée avec Léonard de Vinci, Michel-Ange et Raphaël vers 1500–1530, puis transformé par le maniérisme et le baroque. Là où les maîtres de la Renaissance comme Raphaël privilégient les compositions harmonieuses, les peintres baroques emploient de fortes diagonales, des contrastes d'ombre et de lumière et un réalisme audacieux qui donne au spectateur le sentiment d'assister à un événement réel, selon le Getty et la Tate.

Sources : Tate : Renaissance · Tate : Mannerist · Getty AAT : Baroque · Tate : Baroque

Le baroque et le classicisme coexistent au XVIIe siècle mais s'opposent : le baroque cherche le mouvement, le drame et l'émotion, le classicisme l'ordre, l'équilibre et la retenue. La National Gallery de Londres décrit les œuvres baroques comme dramatiques et exubérantes, aux compositions en diagonale, avec Rubens pour exemple, et la Tate y voit dynamisme et réalisme. À l'inverse, la Tate associe le classicisme à l'harmonie et à la retenue, et la National Gallery range Raphaël et Poussin parmi les peintres classiques, inspirés par l'idéalisation et la stabilité des compositions antiques. Le Louvre juge le Jésus-Christ instituant l'Eucharistie peint par Poussin pour Louis XIII en 1641 « d'un classicisme sans concession ».

Sources : National Gallery de Londres, glossaire : Baroque · National Gallery de Londres, glossaire : Classical · Tate : Baroque · Tate : Classicism · Musée du Louvre : Jésus-Christ instituant l'Eucharistie (Nicolas Poussin)

Le clair-obscur est le contraste de la lumière et de l'ombre ; dans la peinture baroque, il devient souvent ténébrisme : visages et mains vivement éclairés sur un fond presque entièrement sombre, à la manière du Caravage et de ses suiveurs. La National Gallery de Londres explique que le mot ténébrisme vient de l'italien tenebroso, « assombri », et que les dernières œuvres du Caravage et celles de nombreux suiveurs sont souvent dites ténébristes. Le clair-obscur, chiaroscuro en italien, sert au Caravage à créer le drame, alors que Léonard de Vinci l'employait pour donner du relief à ses figures, note la National Gallery.

Sources : National Gallery de Londres, glossaire : Tenebrism · National Gallery de Londres, glossaire : Chiaroscuro

La peinture baroque flamande est l'art d'Anvers et des Pays-Bas du Sud, sous domination espagnole, au XVIIe siècle ; Pierre Paul Rubens et Antoine van Dyck la dominent. Rubens rentre à Anvers en 1608 après huit ans en Italie, devient en 1609 peintre de cour des archiducs Albert et Isabelle et dirige un grand atelier dont les retables sont la principale activité, indique la National Gallery de Londres. Van Dyck, selon elle le plus important peintre flamand du siècle après Rubens, s'installe à la cour d'Angleterre en 1632. Contrairement aux Provinces-Unies protestantes, au nord, Anvers reste dans les Pays-Bas espagnols, sous l'autorité de l'Espagne catholique.

Sources : National Gallery de Londres : Pierre Paul Rubens · National Gallery de Londres : Antoine van Dyck · Tate : Baroque

La peinture baroque espagnole est celle du XVIIe siècle, autour de Velázquez à Madrid, de Zurbarán et Murillo à Séville, et de Ribera à Naples. Selon la National Gallery de Londres, Velázquez, né à Séville en 1599, devient peintre de la cour de Philippe IV ; Zurbarán, principal peintre de Séville après le départ de Velázquez pour Madrid en 1623, peint surtout pour les ordres religieux espagnols, sous l'influence du réalisme du Caravage ; Murillo domine la peinture sévillane dans la seconde moitié du siècle. Né à Játiva, près de Valence, Jusepe de Ribera s'installe à Naples en 1616 ; le Louvre conserve son Pied-bot, signé et daté de 1642.

Sources : National Gallery de Londres : Diego Velázquez · National Gallery de Londres : Francisco de Zurbarán · National Gallery de Londres : Bartolomé Esteban Murillo · National Gallery de Londres : Jusepe de Ribera · Musée du Louvre : Le Pied-bot (Jusepe de Ribera)

Artemisia Gentileschi (1593–1654 ou après) est une peintre baroque italienne que la National Gallery de Londres tient pour la femme peintre la plus célèbre du XVIIe siècle. Née à Rome et formée par son père, Orazio Gentileschi, elle signe et date en 1610 son premier tableau connu, Suzanne et les vieillards. Après le procès de 1612, où le peintre Agostino Tassi est reconnu coupable de l'avoir violée, elle part pour Florence, puis travaille à Rome, Venise, Naples et Londres pour des mécènes comme le grand-duc de Toscane, Philippe IV d'Espagne et Charles Ier d'Angleterre.

Sources : National Gallery de Londres : Artemisia Gentileschi · Royal Collection Trust (Google Arts & Culture)

Oui. Tous les peintres de notre liste de tableaux célèbres sont morts avant 1700 : leurs œuvres sont donc dans le domaine public aux États-Unis et dans les pays où le droit d'auteur prend fin 70 ans après la mort de l'artiste. Vous pouvez les télécharger gratuitement et les utiliser librement, y compris pour des projets commerciaux. Quelques pays ont leurs propres règles sur les photographies d'œuvres d'art : vérifiez-les si vous publiez hors des États-Unis.

Sources : Bibliothèque de l'université Cornell : Copyright Term and the Public Domain