En 1620, un jeune Anthony van Dyck—à peine vingt et un ans—s'attaqua à l'un des sujets les plus déchirants de l'art chrétien : la Crucifixion, non pas comme une icône statique, mais comme une scène de crue immédiateté et de drame. Ce qui rend Christ sur la Croix entre les deux criminels remarquable, c'est qu'il a été peint pendant les années formatrices de van Dyck à Anvers, au sommet de son apprentissage avec Peter Paul Rubens. Cette période fut un creuset pour van Dyck, qui absorba le dynamisme de Rubens mais commença à affirmer sa propre vision, plus introspective.

La peinture se dresse comme l'un des plusieurs traitements de la Crucifixion par van Dyck, mais cette version est particulièrement reconnue pour son intensité psychologique et la manière dont elle met en avant la souffrance et la rédemption. Au cœur de la scène, le Christ pend entre les deux voleurs, son corps tordu dans l'angoisse, la tête inclinée dans la résignation. Le moment choisi par van Dyck est celui d'une profonde solitude : la foule s'est retirée, et le drame est suspendu entre la terre et le ciel. Le voleur pénitent tourne la tête vers le Christ, son visage illuminé par un espoir désespéré, tandis que le voleur impenitent détourne le regard, ses traits durcis.

L'utilisation d'une lumière vive par van Dyck sculpte les figures dans l'obscurité, concentrant l'attention du spectateur sur le torse pâle du Christ et les expressions angoissées des condamnés. Contrairement à la Élévation de la Croix plus théâtrale de Rubens, l'interprétation de van Dyck est plus silencieuse, les gestes plus contenus, comme si elle invitait à un examen privé de la gravité de la scène. La provenance précoce de cette peinture n'est pas entièrement documentée, bien qu'elle soit considérée comme ayant été commandée pour une chapelle privée ou un espace dévotionnel à Anvers. Au fil des siècles, Christ sur la Croix entre les deux criminels a passé par plusieurs mains, reflétant les fortunes changeantes de la réputation de van Dyck.

Au XIXe siècle, elle a été reconnue comme une œuvre clé dans son développement, reliant son apprentissage à son style ultérieur, plus courtois. Aujourd'hui, la peinture est conservée dans une grande collection européenne, où elle continue d'attirer l'attention pour sa sincérité émotionnelle et l'ambition juvénile de son créateur. Sa survie et son acclamation témoignent de la capacité durable de van Dyck à traduire le drame spirituel en termes humains.