Un seul rayon de lumière tranche l'obscurité, illuminant trois figures prises dans un moment d'intimité malaisée. La main de l'artiste s'attarde sur la tension entre proximité et inconfort : Loth, ses filles pressées de chaque côté, est représenté avec une gravité qui fait hésiter le spectateur. La compacité de la composition attire le regard vers leurs visages : le regard détourné de Loth, les expressions concentrées des filles, tandis que le paysage derrière elles n'est guère plus qu'une suggestion, comme si le monde au-delà s'était évaporé.

La palette de Dürer ici est sobre, terreuse, et les gestes des figures sont délibérés : la main d'une fille repose sur l'épaule de son père, l'autre tient un récipient, insinuant les tonalités plus sombres de l'histoire. La lumière ne flatte pas ; elle interroge, exposant l'ambiguïté du moment. Peinte entre environ 1496 et 1499, et maintenant à la National Gallery of Art, Washington, D.C., cette image occupe le revers de la Madonna et l'Enfant de Dürer, un duo qui parle de la fascination de l'époque pour les dualités : péché et rédemption, sévérité de l'Ancien Testament et grâce du Nouveau Testament. Des œuvres comme celle-ci, souvent commandées pour la dévotion privée ou comme autels portables, offraient aux spectateurs la possibilité de contempler à la fois la fragilité et la résilience de l'humanité.

À la fin du XVe siècle, les artistes dans les pays de langue allemande expérimentaient avec l'huile et la tempera, repoussant les limites de la narration et de l'émotion. L'histoire a conservé peu de traces de la vie précoce de cette peinture, mais sa survie au dos d'une image plus familière nous invite à regarder à nouveau, à chercher un sens dans les ombres autant que dans la lumière.