Lorsque Anthony van Dyck a peint Madonna avec l'enfant vers 1640, il approchait de la fin de sa vie et était à l'apogée de sa renommée en tant que peintre de la cour de Charles Ier d'Angleterre. Ce qui rend cette œuvre particulièrement intrigante, c'est qu'elle appartient à un groupe d'images dévotionnelles privées que van Dyck a produites dans ses dernières années, des peintures qui révèlent un côté plus intime et personnel de l'artiste, loin de la grandeur formelle de ses portraits royaux. Contrairement à ses grandes commandes, ces Madonnas étaient souvent destinées à des chapelles privées ou à la contemplation personnelle, et plusieurs versions existent, chacune subtilement différente, suggérant une demande parmi les collectionneurs et un approfondissement des propres intérêts spirituels de van Dyck. Le moment que van Dyck capture est d'une douce intimité : la Vierge Marie berce l'enfant Jésus, leurs visages proches, ses yeux baissés dans une réflexion silencieuse tandis que l'enfant lève la main, effleurant son voile.

La composition est baignée d'une douce lumière dorée, qui éclaire les figures et les sépare de l'arrière-plan ombragé, focalisant l'attention du spectateur sur leur lien. La robe bleue de Marie et la robe rouge, couleurs traditionnelles symbolisant la pureté et l'amour, ancrent la scène dans la convention iconographique, tandis que le rendu délicat de la chair et du tissu révèle les influences vénitiennes de van Dyck ; les échos de Titien et de Rubens sont clairs dans la chaleur et l'immédiateté des figures. Contrairement aux Madonnas plus formelles de Raphaël, la version de van Dyck se ressent presque comme un portrait, invitant le spectateur à un moment de tendresse privée. Le parcours précis de cette Madonna avec l'enfant particulière reste en partie enveloppé d'incertitude, comme c'est souvent le cas avec les œuvres dévotionnelles tardives de van Dyck.

Il est probable qu'elle ait été commandée par un mécène catholique anglais, ou peut-être conservée par l'artiste lui-même, car de telles peintures étaient très prisées dans la petite mais influente communauté catholique de l'Angleterre au XVIIe siècle. Au fil du temps, l'attribution de la peinture n'a jamais été sérieusement mise en doute, grâce à la manipulation distinctive de van Dyck et à la relation étroite de la composition avec des œuvres documentées. Aujourd'hui, elle se dresse comme un témoignage de la polyvalence et de la profondeur de van Dyck, reliant les mondes du faste courtois et de la foi personnelle à la fin de l'ère baroque.