Personne ne connaît l'identité de l'homme qui croise notre regard dans Homme portant un béret à plumes et un gorgerin, mais sa présence frappante a alimenté des siècles de spéculation. Peinte par Rembrandt van Rijn en 1635, cette œuvre est l'un des nombreux portraits dits "tronie"—études de caractère et de costume plutôt que d'individus spécifiques—que l'artiste a créés à Amsterdam durant une période de rapide ascension professionnelle. L'habillement flamboyant du modèle, en particulier le béret orné de plumes et le gorgerin en métal brillant, a amené certains à se demander si Rembrandt cherchait à évoquer un soldat de fortune, ou même lui-même sous un déguisement théâtral.

L'air de mystère de la peinture est accentué par le fait qu'aucun document contemporain ne mentionne son commissionnement ou son but. Le regard direct et presque provocateur de l'homme, ainsi que le jeu dramatique de la lumière sur son visage et son armure, attirent le spectateur dans un moment d'intensité psychologique. Le gorgerin, une pièce d'armure protégeant la gorge, était dans les années 1630 plus un symbole de statut qu'un outil de guerre ; ici, il signale une fierté martiale ou peut-être une nostalgie pour une époque de chevalerie. La plume flamboyante est également une touche de bravade, tandis que les traits ombragés du modèle et ses lèvres pincées suggèrent une maîtrise de soi ou une réserve.

Contrairement aux grands guerriers idéalisés de Anthony van Dyck, dont les portraits flattent souvent leurs sujets avec une grâce aristocratique, Rembrandt choisit de mettre en avant l'individualité et la vie intérieure de son modèle, rendant l'image à la fois intime et énigmatique. L'histoire précoce précise de Homme portant un béret à plumes et un gorgerin est floue, typique de nombreuses tronies qui circulaient librement parmi les collectionneurs plutôt que par le biais de commandes formelles. Au fil des siècles, la peinture a été attribuée et réattribuée, alors que les chercheurs débattaient pour savoir s'il s'agissait d'un autoportrait ou d'une étude d'après nature. Aujourd'hui, la plupart s'accordent à dire qu'il ne s'agit pas d'une ressemblance de Rembrandt lui-même, mais plutôt d'une exploration du caractère et du costume, une marque de la période inventive de l'artiste au milieu des années 1630.

La peinture réside désormais au Museo del Prado, où elle se dresse comme un témoignage de la fascination de Rembrandt pour le drame et la dignité du visage humain.