Au milieu du XVe siècle, un nouveau type de peinture religieuse a commencé à apparaître à Venise, mettant le spectateur face à la souffrance du Christ et à la douleur de ses disciples. Pietà avec la Madonna et Saint Jean l'Évangéliste de Giovanni Bellini est l'un des premiers exemples vénitiens connus de cette représentation intime et en buste du Christ mort soutenu par sa mère et le disciple bien-aimé. La franchise de la composition—le corps du Christ penché en avant, les mains des pleureurs tendues—fut si influente qu'elle fut copiée et adaptée par des artistes vénitiens ultérieurs pendant des générations.

Les chercheurs ont longtemps débattu de savoir si cette œuvre était destinée à la dévotion privée ou comme un retable public, mais son impact sur la peinture vénitienne ne fait aucun doute. La scène se déroule au moment même après la crucifixion du Christ, alors que son corps sans vie est pleuré par la Vierge Marie et Saint Jean. Bellini place les trois figures près du plan de l'image, leurs formes émergeant d'un fond sombre et indéfini. Les mains de Marie, serrant le torse du Christ, évoquent à la fois la tendresse maternelle et le désespoir ; la paume ouverte de Saint Jean et son regard angoissé attirent le spectateur dans le drame.

L'absence de paysage ou de détail narratif concentre toute l'attention sur l'émotion brute de la perte. Contrairement aux décors élaborés des peintures de Rogier van der Weyden, l'approche de Bellini est sobre, ses figures sont monumentales, leur chagrin est universel. L'histoire précoce de Pietà avec la Madonna et Saint Jean l'Évangéliste n'est pas entièrement documentée, mais son style et sa composition la marquent comme une œuvre juvénile de Giovanni Bellini, peinte vers 1455 alors qu'il était encore sous l'influence de son père Jacopo et de son beau-frère Andrea Mantegna. Le médium de la peinture reste incertain—certains suggèrent la tempera, d'autres l'huile, reflétant l'esprit expérimental des artistes vénitiens de l'époque.

Bien que le commanditaire original soit inconnu, l'échelle intime de l'œuvre et son intensité dévotionnelle suggèrent qu'elle était destinée à la contemplation privée. Aujourd'hui, elle se dresse comme un jalon clé dans le développement de Bellini, annonçant la profondeur émotionnelle et la couleur lumineuse qui définiraient ses chefs-d'œuvre ultérieurs.