Un cheval solitaire se tient au-dessus de son cavalier tombé, le museau de l'animal poussant doucement la forme immobile de l'homme, comme s'il l'incitait à se lever. Le chemin serpente vers les collines vertes vides, mais tout mouvement s'est arrêté ici—excepté le geste de recherche du cheval et l'arc subtil des oiseaux dans le ciel lointain. Le pistolet de l'homme repose lâchement dans sa main, sa chemise tachée et son corps tordu dans la poussière, suggérant une histoire qui a déjà atteint sa conclusion.

La lumière est claire et impitoyable, aplatissant le drame en une tragédie quotidienne, tandis que l'immensité du paysage écrase les deux figures, rendant leur destin à la fois personnel et universel. Le titre, La Fin du Romance, est inscrit dans le coin, et il reste en mémoire en remarquant la selle encore attachée, le chemin encore ouvert, et le sentiment de quelque chose irrémédiablement perdu. Peinte en 1915 par Antonio Parreiras, cette œuvre appartient à un moment où les artistes brésiliens étaient attirés par des thèmes liés à la terre, au gaucho et à la violence mythique de la frontière. De telles images servaient souvent à dramatiser la tension entre la civilisation et la nature sauvage, ou à commémorer le passage d'un mode de vie plus ancien et plus sauvage.

Bien que l'histoire ait conservé peu de traces du parcours de cette peinture particulière, sa présence dans une collection marquée comme "œuvre propre" et sa date claire l'ancrent fermement au début du XXe siècle—une époque où les artistes de toute l'Amérique latine forgeaient de nouvelles identités nationales à travers des scènes de lutte et de solitude. La peinture invite le spectateur à s'attarder sur les détails : la patience du cheval, le vide de la route, le silence après la fin de l'histoire.