Ciò che colpisce per primo nell'opera Una Ninfa alla Fonte (Pan, che insegue una Ninfa) è il silenzio che si posa sulla scena, come se la foresta stessa trattenesse il respiro. La ninfa, avvolta in un tessuto chiaro, è seduta al bordo di un ruscello che scorre, con il corpo inclinato lontano dall'ombra densa dei boschi dietro di lei. La palette attenuata di marroni e verdi cupi di Böcklin avvolge la figura in un mondo che sembra sia antico che intatto.

Gli alberi spessi e intrecciati formano un palcoscenico naturale, con i loro rami che si arcuano sopra di lei per incorniciare la ninfa in un chiaro privato, quasi segreto. La luce si accumula dolcemente attorno a lei, attirando l'attenzione sulla sua immobilità e sul gesto delicato della sua mano che si trascina nell'acqua—un momento sospeso tra l'innocenza e la minaccia che si cela appena oltre il bordo. Dipinta nel 1855, quest'opera appartiene a un momento in cui gli artisti europei riscoprivano il mito e la natura come fonti di meraviglia e ansia. Il titolo sul retro, Pan, che insegue una Ninfa, suggerisce la tensione mitologica che si cela sotto la tranquillità: Pan, il dio selvaggio dei boschi, non è mai lontano da tali scene, e la sua caccia è un motivo familiare nell'arte del XIX secolo.

Artisti come Böcklin, che lavoravano nella tradizione romantica, spesso si rivolgevano a questi soggetti per esplorare il confine tra civiltà e natura selvaggia, il visto e l'invisibile. Ora parte della collezione permanente del Museo Thyssen-Bornemisza, questo dipinto offre uno sguardo su un mondo in cui il mito respira attraverso il paesaggio—invita lo spettatore a soffermarsi e immaginare cosa potrebbe muoversi nelle ombre appena fuori dalla vista.