Quando Paul Gauguin dipinse Dalie in un Vaso di Rame nel 1885, era ancora un broker parigino, non ancora l'iconoclasta viaggiatore del Post-Impressionismo. Quest'opera appartiene a un momento tranquillo ma cruciale: Gauguin stava dipingendo accanto a Camille Pissarro a Rouen, apprendendo dagli Impressionisti ma già cercando di oltrepassare i loro confini. Il dipinto è uno dei diversi nature morte floreali che creò quell'anno, un genere che avrebbe presto abbandonato mentre inseguiva esperimenti più audaci con il colore e la forma.

Per Gauguin, questi fiori non erano solo uno studio di composizione; erano una prova per le radicali innovazioni che sarebbero arrivate. La scena è ingannevolmente semplice: un denso mazzo di dalie, i cui petali esplodono in rossi, gialli e bianchi, affollano un vaso di rame consumato, posto su uno sfondo tenue. La pennellata di Gauguin è vivace, i fiori sembrano quasi cadere dal loro contenitore, le loro forme rese con una solidità che suggerisce il suo successivo interesse per la struttura rispetto alla luce fugace. A differenza delle leggere e scintillanti nature morte di Monet o Manet, la disposizione di Gauguin appare pesante e deliberata; il vaso di rame ancorà la composizione, la sua superficie riflettente riecheggiando i toni caldi dei fiori.

Il gioco di ombra e luce è contenuto, concentrando l'attenzione sulla qualità tattile dei petali e sul lucido metallico del vaso, un segno che Gauguin stava già cercando qualcosa di più duraturo dell'atmosfera impressionista. La storia precoce di Dalie in un Vaso di Rame non è completamente documentata, il che è tipico delle nature morte di Gauguin di questo periodo, spesso vendute a amici o lasciate indietro mentre si spostava tra Parigi e la campagna. La sua attuale ubicazione è nota, ma il dipinto viaggia raramente, e rimane un punto di riferimento per comprendere gli anni formativi di Gauguin. Creata poco prima di lasciare la sua vita borghese, l'opera segna un punto di svolta: poco dopo, Gauguin intraprenderà il suo viaggio in Bretagna e poi a Tahiti, trasformando il suo stile e il corso dell'arte moderna.

Oggi, questo dipinto è apprezzato non solo per la sua bellezza, ma anche come uno sguardo nella mente inquieta di un artista sul punto di reinventarsi.